Trànsits

Mattia Mele.

1981. intérprete. autor.

Empieza de pequeño estudiando danza clasica, tuvo la oportunidad de estudiar y experimentar diferentes «estilos», entrando en contacto en 2002 con con la danza contemporánea en Bélgica.

De vuelta a Italia, sigue en este camino que le llevará al teatro físico (ricci/forte performing ensemble) y a la formación profesional en las artes circenses en la Flic – scuola di circo (Turín).

Trabaja con cia Fabbrica C y la asociación cultural Cordata F.O.R (Italia).

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Una historia oscura e inquietante sobre el fin de una relación. Un duelo repentino. Algo que estaba ahí y ahora no está. Un fracaso. Un desajuste. Un final feliz fallido.

¿Qué ocurre si la princesa se encuentra ineludiblemente sin (ningún) príncipe?

Una princesa como ejemplo, objeto de una investigación visual sobre este arquetipo y su entorno de cuento de hadas, onírico e irreal releído a través del velo negro del luto, la obsesión y el deseo, un personaje genérico protagonista de una historia que quiere contar el intento de no evitar lo que social y emocionalmente se considera «sufrimiento» que se presenta como un camino único y obligatorio para alcanzar un estado de bienestar duradero.

Descubrir que el príncipe azul, la ansiada salvación, no se encuentra en otra persona, en algo externo, sino sólo en la aceptación de la pérdida, en dejar ir lo que estábamos convencidos de que era necesario para nuestra existencia, en abandonarlo todo para redescubrirnos desnudos y con fuerzas para vivir, solos, nuestro propio final feliz.

Crédito foto: Li Mi

CAí es el nombre de la compañía de circo contemporáneo creada por Sabrina Catalán y Elia Pérez,
artistas de circo y autoras creativas. La línea de trabajo que utiliza la compañía consiste en utilizar el
circo, y más concretamente los aéreos, como un lenguaje de comunicación y de expresión con el cual
llevar a escena materiales personales, reales, vivos y espontáneos.
La compañía crea en 2014 su primer espectáculo “No es la boca la que va a la cuchara sino la cuchara
la que va a la boca” pieza de 60 minutos que se construye a través de la recopilación de historias
reales. Una experiencia de lo personal a lo ajeno y con la intención de buscar y acercarse a las
diferentes realidades comunes del público. Fue dirigida y puesta en escena por la propia CIA CAí con la
mirada cómplice de Jorge Albuerne. Se estrenó en Octubre 2015 en el Teatro Circo Price de Madrid y
ha sido programada en numerosos festivales y/o eventos a nivel nacional e internacional. En este, su
segundo proyecto, la compañía se adentra en un nuevo reto en el cual la mirada está focalizada en el
propio proceso creativo.

‘Masa madre’

“Masa Madre” es un proceso de investigación que lleva implícita la creación de un espectáculo de sala
en el que se combinan técnicas aéreas, texto y movimiento de una forma expresiva, directa y real. Este
proceso consiste en la creación de dos piezas in(ter)dependientes que en una segunda fase
(co)habitarán en escena y conformarán el espectáculo «Masa Madre».
“Masa” hace referencia a la existencia misma, a como esta se organiza y en que se convierte.
Masa habla de la caducidad de las cosas, sobre cuando empiezan y cuando terminan. .
Masa dura una cocción.
Nos hace cuestionarnos el paso del tiempo.
Sobre cómo nos afecta la mirada de los otros en cuanto a la forma que tomamos.
Sobre cómo nos agrupamos o no.
“Madre” hace referencia a la maternidad, a cómo ésta es vivida desde dentro y
observada desde fuera.
Madre habla de estados cambiantes.
Madre dura una expulsión.
Nos hace cuestionarnos una confrontación hacia la persona y/o artista, un regulador de ego.
Sobre cómo nos afecta la vivencia.
Sobre una maternidad amarga, dulce, ácida,
salada, agria…sabrosa…

Firma foto: CdAT

Cirque Désolé es una compañía emergente que nace de una necesidad gutural de dos hermanas. En sus vidas anteriores Julieta y Mauricio se graduaron o abandonaron diferentes formaciones: UNTREF, UNSAM, CODARTS, ESAC, Laboratorio Escuela, Esacto’Lido, trabajaron internacionalmente con compañías de renombre y con sus solos: Je te laisse partir, Pretty for Nobody, Judas, La dernière fois que je me suis suicidée. Somos felizmente olvidadizxs de todo, festejando el estado donde unx no sabe nada en absoluto.

‘Happy’

Happy es un manifiesto. Una ruptura en la concepción de la vida, la posibilidad de cada unx de de-construir su propia forma de existencia. Una estética de contrarios que se encuentran y conversan. Es nuestro ser desnudx, rebelde, inocente, espiritual, lúdicx y sobre todo humanx. Un himno a la libertad reconectando con lo crudo. Ponemos en juego nuestros límites, los accidentes y la desesperanza. Reivindicamos nuestra existencia disidente, mortal y vulnerable como una forma de circo.

Aceptando quienes somos en el momento presente, el miedo a la muerte se escapa. En cada situación nuevas posibilidades de cambios, reconfiguración y metamorfosis. Cuando todas las entradas estén abiertas, cuando todas las anclas se ahoguen y nada nos aferre a tierra, podremos finalmente bailar sin caernos.

Firma Foto: Carolina Castro

Delrevés es una compañía de danza vertical fundada en Barcelona el 2007 por Saoia Fernández y Eduardo Torres. Su objetivo es la fusión de diferentes lenguajes artísticos, como la danza contemporánea, las artes digitales, el teatro y la danza vertical, utilizando la arquitectura como soporte del movimiento. A lo largo de estos años, Delrevés ha forjado una solida carrera internacional, aportando una nueva visión a la danza vertical. Su última producción, ‘Finale’, recibe el premio a mejor pieza de calle Umore Azoka, el 2019, y es seleccionada para la apertura del festival Fira Tàrrega. ‘Proyecto SENA’ es su sexta producción.

Firma foto: Frank Díaz

Stina i Lotta comencen a treballar juntes amb la rola-bola en un circ juvenil de Finlàndia l’any 2001. Passen tres anys perfeccionant la seva tècnica a la prestigiosa i exigent Ecole Supérieure des Arts du Cirque de Brussel·les, on es graduen amb honors l’any 2008. El 2011, juntament amb Kimmo Hietanen, creen l’espectacle de carrer ‘Play:Time’. L’any 2012 formen part de la creació de l’espectacle ‘Mad in Finland’, un col·lectiu de set dones artistes de circ finlandeses. Un any més tard, el mateix grup produeix ‘Ladies Room’, un espectacle de cabaret. L’any 2015 són guardonades amb el prestigiós premi nacional d’arts circenses de Finlàndia pels mèrits assolits durant la seva carrera.

Júlia Campistany, nascuda a Catalunya, es gradua a l’escola Codarts Circus Arts (Rotterdam), on s’especialitza en trapezi fix. Com a projecte final de grau crea ‘It Happens’, una peça de curta durada que estrena a Oude Luxor l’any 2018. Més endavant, crea una versió més llarga de la mateixa peça on explora la tècnica del trapezi fix i el clown i on col·labora amb Zè Malandro, que compon parcialment la música. ‘It Happens’ gira des d’aleshores per Europa. Durant els últims anys, l’artista també col·labora com a solista en diferents companyies, com ara Circus Ronaldo i Meyer-Chaffaud, i treballa com a professora convidada a Codarts.

‘Peluda’

En escena, una dona amb una cabellera llarga intenta recuperar tots els pèls i cabells que ha rebutjat al llarg de la seva vida. ‘Peluda’ qüestiona la realitat d’allò que veiem. Una història que viatja del glamour a la decadència a través dels cabells, mitjançant el llenguatge de la poesia i l’absurd.

Ens trobem en un moment en què vivim les nostres vides a través d’una pantalla. Mostrem només una cara de la nostra realitat, intentem encaixar en els patrons de bellesa, sempre contentes i brillants, pretenem no tenir pèls, ni canes, ni arrugues, ens amaguem darrere els nostres telèfons, darrere el nostre maquillatge, darrere les nostres cirurgies i filtres. Vivim en un moment en què la realitat es veu compromesa i sovint estem desconnectades de nosaltres mateixes i de les nostres veritats.

Firma foto: Nora Baylach

Cía Papaya está formada por Lorena Madurga. Me gradué en Bellas artes por la Universidad de Salamanca, después mi inquietud por las artes escénicas me trajo a Barcelona, ciudad en la que vivo actualmente, donde estudié dos años en la
Escuela de Circo Rogelio Rivel. Después cursé un año de formación en Danza Contemporánea en la escuela ESDM, también en Barcelona. Actualmente, sigo formándome con diferentes bailarines y entreno en La Central del Circ. Al mismo tiempo que me he formado en ámbitos vinculados con el movimiento, he estado produciendo obra en torno al dibujo y la pintura. Y desde hace un año me encuentro en proceso de creación de una marca de ropa llamada LoreLoraLoro. De este modo, ahora me encuentro a caballo entre el circo, la danza y el dibujo.

‘Manchas’

El espectáculo se divide en tres partes vinculadas con la tradición cristiana: nacimiento, muerte y resurrección. Esta estructura toma como referencia al tríptico de El jardín de las delicias del Bosco, un cuadro que en el SXV funcionaba como una enciclopedia de temores y demonios. Esta obra pictórica también es una referencia para el desarrollo del bestiario de animales extraños que se incluyen en la pieza.

Después de una muerte al más puro estilo de Saturno, nos encontramos en el entierro de la Momia de la Abundancia, una momia que ingerió a su propio feto. Todo ello acogido por el Museo de Fruta y Destrucción.
La creación de MANCHAS nace del deseo de unir lo escénico y lo plástico. Se trata de un espectáculo de Rueda Cyr que convive con materiales, que utilizo como elementos plásticos, como el carbón y los vegetales.
Es una pieza que se parece a una macedonia de frutas. De manera literal y figurada está macedonia se convierte en un zumo que se tomarán todas las personas que asistan al espectáculo.

Palimsesta és una companyia de circ contemporani que neix el 2021 i està formada per Andrea Rodríguez de Liébana, graduada en arquitectura i formada a la Rogelio Rivel, i Sergio González, format al Centre Nacional de Circ Contemporani, que ha treballat amb diverses companyies, com ara El Circ Gran Fele, Atempo Circ i La Clandestina, entre altres. Els artistes inicien un camí conjunt amb l’objectiu de parlar de la complexitat, el cúmul de capes i realitats que conformen el que coneixen, de com cadascú viu una realitat basada en la seva experiència i la possibilitat que moltes realitats convisquin en un mateix món sense conflictes.

‘Masha’

‘Masha’ representa un espai per observar, reflexionar, interpretar i conviure amb l’inesperat i l’aliè. Proposa un laboratori creatiu-humà, un lloc per qüestionar allò corporal, social, performatiu i posicionar-se en la sinceritat, crear un món paral·lel amb un llenguatge propi, amb accions entrecreuades que es relacionen entre si d’una manera irracional.

L’espectacle posa el focus en la naturalesa evolutiva de la humanitat, la seva desnaturalització i deshumanització. La unificació de pensaments, imatges i discursos no és sensible a la multiplicitat de realitats singulars. La mateixa existència ens porta a deixar d’existir, aquesta contradicció ens situa en un marc d’absurditat i fracàs constant. Reflexiona sobre la idea d’existència – obsolescència programada, i de com l’acceptació de la nostra autodestrucció ens porta a un estat mental d’estrès i paranoia.

Fitxa artística

Idea original: Andrea Rodríguez de Liébana i Sergio Gonzalez
Acompanyament artístic: Chiara Marchese, Elena Zanzu i Quim Girón
Acompanyament filosòfic i conceptual: Mila Rodríguez
Material audiovisual: Gemma Batlle i Mich Zurita

*Projecte seleccionat en les Residències Encreuades, amb el suport de l’Institut Ramon Llull i Arts Printing House

Miguel García és un artista de circ especialitzat en portor d’equilibris acrobàtics, clown i portor coreà. Es forma en teatre amb professores de l’Institut del Teatre, en circ a l’escola Rogelio Rivel, i en dansa amb Olga Tragant. Es gradua en Enginyeria de Telecomunicacions a la UPC i realitza el Màster en Art Sonor a la UB. També té estudis de piano, música i veu. És fundador de la primera cooperativa de circ de treball associat: Coopdecirc. Ha treballat amb companyies com Volàtils, Circ Pistolet, Klezmer, Call me Maria, Ciclicus, Somso, Circ Alienzo i Capicua, entre altres, fent gires tant en l’àmbit nacional com internacional.

‘Soul of sound’

La imaginació, com l’etimologia de la paraula indica, es recolza de manera recurrent en la imatge, en el sentit de la vista. Les projeccions mentals que fem partint de la memòria estan recolzades en imatges. Però partint del so també podem crear nous imaginaris. Pensar a través del so ens pot conduir cap a altres realitats? Com poden interactuar el cos i el so per cercar aquests imaginaris?

En aquesta recerca l’artista es proposa trobar eines d’improvisació partint del so com a estímul, i utilitza eines tecnològiques per ampliar les possibilitats d’aquesta interacció entre so, cos, pensament i emoció. Al voltant d’aquesta idea principal anirà construint unes pautes que li serveixin com a punt de partida per a una nova creació que girarà al voltant de dues idees: la respiració i les xarxes de vides.

Fitxa artística

Intèrpret i creació sonora: Miguel García

Firma foto: Marta García

Felipe Nardiello nace en Santiago de Chile donde cursa sus estudios de psicología, hecho el cuál lo llevaron a cambiar drásticamente de vida y dedicar su tiempo al Circo, es de esta manera, que decide profesionalizar su práctica en Europa, específicamente en la Escuela de Circo FLIC (Italia), donde encuentra su especialidad, la rueda Cyr. El estudio de esta disciplina lo lleva a cuestionarse ¿cómo encontrar un lenguaje personal e autentico dentro de una disciplina que su evolución técnica está tan estereotipada? Es así que el enfoque del entrenamiento va en pos de encontrar la libertad corporal y a la vez poner el foco sobre la intención de un cuerpo vivo, más allá de una rueda gigante. Es de esta manera que el objetivo sería integrar dentro de esta práctica diversas disciplinas cómo la danza, teatro, música, etc.
Durante el último tiempo ha colaborado con distintos proyectos de diversas compañías a lo largo de Europa, principalmente en Francia, Italia, España y Reino Unido. En el mismo tiempo generando creaciones personales basadas en Barcelona.

‘Epidermis’

¿Cuándo terminas? ¿Hay una ultima célula antes del precipicio vertiginoso de lo externo? Una persona en un museo mirando un cuadro, ¿es un testigo? o ¿está dentro de la pieza? La razón solo puede ordenar los armarios en tiempos de calma, ¿y en las crisis? En los puntos culminantes de la crisis es donde la impulsividad nos lleva a resolverla con las barbaridades mas absurdas, disparar, correr, envenenarse, humillarse, soltar al perro, golpear, morir, vivir. ¿O esta última reflexión también recae en
una dialéctica racional que trata de destruirse a sí misma por sí misma? Un alacrán que odia su alacranidad por lo cual se clava su lanceta en su propia espalda. ¿Qué es el absurdo, el mundo ordenado en calma o la crisis? Epidermis es un intento de búsqueda personal, es un intento de escapar del vacío entrando en el vacío, un intento de dejar de escribir con tanta pedantería (véase el párrafo anterior) es el intento de fusión del sujeto/objeto, es el intento de llenar 900 caracteres, el intento de sobrevivir a este absurdo por medio del absurdo, el intento de aceptar la crisis.

Mila Martínez especializada en cuerda lisa y volante. Se formó en “Carampa”, “Théâtre-Cirqule” y en “Academy for circus and performance Arts”. Ha trabajado en varios proyectos y compañías. Destaca Duo Toni y Mila, Cie EquiNote, CirkoDemente,
“SOPA” del Circ d’Hivern del Ateneu de Nou Barris y “Col.lectiu TQM”. Sait Tamir (Matias Kruger) especializado en danza, teatro físico y cuerda lisa. Master en “Dance and Creative Enterprise”. Diplomado en MOVEO. Ha trabajado en diferentes producciones como «Pels de Colom” por CIA eLeCeDe, “bYOB” por CIA 30/70 SPLIT, “Desperate Gestures” de Joseph Mercier. Co-creador del duo «IOR». También forma parte del “Col.lectiu TQM”.

Gerard Marsal Norte. Saxofonista, flautista, compositor, productor y diseño sonoro. Estudio música clásica en el Conservatorio del Liceo (BCN) y música moderna e improvisación al jazz y arreglos en el Taller de Músics de Barcelona. Con un largo recorrido en la escena músical de jazz, pop y vanguardia. Recientemente nominado a los Premis Butaca 2020 y Premi de la crítica 2020 por el diseño y espacio sonoro a LA INFANTICIDA .

‘Corcs’

EL BICHO
“nyii…nyiu!…nyiuuu…prufm… cris…nyuuuu!nyic…fius…tururitururitururi!!! Así suena este bicho. Así piensa. Así siente. Así se mueve. Se enfrenta a algo desconocido, que a su vez le resulta enormemente familiar.

EL HUMANO
Le observa. El bicho se mueve lentamente hacia él. Tan pronto tiene la impresión de que ignora su presencia, como siente una ira irrefrenable hacia su persona.

EL INVISIBLE
Nadie lo ve, pero esta allí. ¿Qué papel juega? Quizás le de ritmo al mundo… Quizás sea él, quien mueve los hilos…
CORCS es un encuentro entre mundos que cohabitan paralelamente. Que tan pronto pueden tener un efecto devastador, el uno sobre el otro, como ignorarse por completo. Un insecto, un humano, algo que no entiendo… ¿Como interactúan? ¿Cómo influye el uno sobre el otro? ¿Cómo utilizan la fuerza y el poder? ¿Qué pasaría si por un azaroso azar, pudieran intercambiarse los lugares?

Marta Camuffi, Judit Obach y Maddalena Chialda son tres artistas de circo formadas en diferentes escuelas de España, Italia y Bélgica, que posteriormente se establecen en Cataluña. Tres creadoras con diferentes experiencias artísticas y personales que deciden vincularse y empezar un camino juntas. Trabajan juntas en diferentes eventos y festivales mientras se forman y entrenan en espacios como La Central del Circ, el Ateneu Popular Nou Barris y diferentes centros cívicos. El nuevo proyecto en el que trabajan combina los portés acrobáticos, la suspensión capilar, el lanzamiento de cuchillos, los patines y el canto.

*El proyecto ha sido seleccionado para participar en las Residencias Cruzadas, con el soporte de La Cascade, Pôle National des Arts du Cirque.

‘Trying to say what’

Especializada en telas y cuerda lisa, Gaia Panero se encuentra actualmente en el proceso de creación de la pieza ‘Trying to say what’. La investigación que se propone desarrollar nace como a investigación física y técnica alrededor de la disciplina de la cuerda lisa, transformándose en una investigación sobre las posibilidades de relación entre la cuerda, el cuerpo del artista y el espacio que los acoge. 

A partir de esta primera investigación, nace la necesidad de crear una estructura específica que sean a la vez una instalación, así el arte circense interactúa con la arquitectura. Se trata de una estructura tensegrítica, que viene de las palabras en inglés tension i integrity y se sostendrá gracias a fuerzas opuestas. 

El Desè Home

Llevar en la mente y el cuerpo todos aquellos pensamientos y delirios que te atacan la cabeza cuando quieres dormirte. Los que te entran profundo al córtex y se expanden hasta el insomnio. Aquellos, que si no haces caso, acaban expandiéndose incontrolados…

Aprovecho para parar (un rato) y tomar aire. Pulsar el freno y coger impulso, hacia ninguna parte…para seguir andando en un cuerpo cambiante, en un mundo atrofiado.

LP (Long Play)

Un submundo visual y sonoro escondido detrás de la máscara de la vida cotidiana; una puerta de escape por la que pasan nuestros sueños y miedos. Un templo para celebrar el error; abrir una brecha de fragilidad humana. Cables, softwares, zapatos de taco y una barba. Los cuerpos se deforman bajo luz y sonido, discursos políticos, teléfonos celulares e íconos pop. En la antesala del apocalipsis, Long Play es un grito de resistencia que rinde tributo a la generación del nuevo milenio.

Catalina Aguayo y Alejandro Dutra buscan generar un discurso auténtico, resaltando la fragilidad de los cuerpos, impulsados por estados esenciales. Se nudren del circo pero también de tantas otras cosas: la música electrónica, el cine de Xavier DOlan, la ropa de Vivienne Westwood…

‘La punta de mi nariz’

Un colectivo de seis acróbatas que viven entre Euskadi y Catalunya y surge de la necesidad de crear en comunidad e indagar con tiempo, esfuerzo, ayuda y mucho entrenamiento. Con esta primera pieza proponen volver a los orígenes para reconstruir una memoria comuna.

Seis cuerpos en juego, seis mundos. A la deriva hacia una realidad conjunta y compartida. Cuerpos que se cuidan, se

Sis cossos en joc, sis mons. A la deriva cap a una realitat conjunta i compartida. Cuerpos que se cuidan, se llevan, se deslizan, se empujan. Portés acrobáticos y canto se convierten en la oportunidad para deformarlo todo e invitarnos a conocer sus particularidades de cerca.

Foto: Clara Pedrol

Mer de plastic

Este espectáculo interdisciplinar habla de la estupidez humana con su comedia y su drama. Desde una perspectiva irónica trata la irremediable absurdidad del humano como constructor y destructor. Hablamos de nuestra realidad desde la fantasía a través de un lenguaje circense, una dimensión acuática, tres criaturas y un material predominante: el plástico.

Ino

Siete mujeres, no pesan mucho en este mundo. Así que hemos pensado: “Y si nos apilamos?”

INO somos nosotras, vestidas de varias capas de convenciones sociales, un poco como todo el mundo. Capas que nos molestan y que no nos dejan libres para movernos. En seguida nos damos cuenta que pesan más las

presiones sociales que aguantar el peso de otras personas. Entonces nos agarramos de las costuras y nos desnudamos. Nos agarramos las unas a las otras y hacemos portés, nos portamos y nos soportamos.

Simplemente porque es lo que queremos hacer, juntas.

Homenaje

HOMENAJE es ese momento donde algo se paró y ya no hay marcha atrás.

HOMENAJE es una tragicomedia que viaja de la muerte al amor.

HOMENAJE es una dulce herida que cuestiona al público y lo sitúa como posible víctima.

HOMENAJE es un momento a celebrar, a compartir y vivir.

HOMENAJE es un reto a la soledad de escena.

HOMENAJE es una rebelión a lo establecido.

Breach

[Breach (n): violación o infracción de una norma o ley; ruptura en una relación; grieta, fisura, brecha. (Vt) Acto de emerger a la superficie.]

Ella es humilde y sumisa. Ella es fuerte y a veces le gusta que la dominen en el sexo. Ella ha podido decir que no.

Ella no dijo nada porque sentía mucha vergüenza, ella se sentía culpable, ella no sabe si realmente la violaron o la abusaron.

Un grito en silencio y un recuerdo en estado de espera. ¿Y quien son ellos?

Empecemos a hablar.

A través de un lenguaje sonoro y de movimiento, Som Noise invita al público a un espacio de ambigüedad entre el placer y el dolor, el erotismo y la violencia y la sumisión y el empoderamiento, para llegar a un diálogo sobre los casos de abuso y de violencias machistas.

Signos

Dos personas y una abundante cantidad de harina investigan sus posibilidades de relación, llevando a cabo la creación de imágenes y equilibrios con manifestaciones del cuerpo en movimiento, dejando rastros de harina de diversa intensidad y un humor sutil de libre interpretación.

Somos dos cuerpos que se revuelven y se separan para volver al mismo punto. Dos manchas que se mezclan hasta que no se distinguen la una de la otra. Dejando las mismas huellas y recorriendo el camino con un mismo andar, nos transformaremos en una masa única.

Fil

Fil es una creación que explora las relaciones humanas a partir de un lenguaje universal: el físico. Dos personajes se embarcan en un juego de tensiones entre la realidad y la ficción, la razón y la emoción, para proyectar un imaginario con el que captan la complicidad del público.

Un espectáculo poético, reflexivo y cercano, donde los equilibrios siempre están presentes.

Fil es el primer espectáculo de larga duración de la Cía. Madame Gaüc; una creación de circo contemporáneo que también combina elementos de la danza y el teatro.

Proyecto PAPY

Un espectáculo de circo bufón contemporáneo que mezcla la cuerda lisa, los malabares*, el faquirismo* y tantas otras fantasías. Se trata de una reivindicación humana, en la piel de una mujer que quiere, quiere ser buena, ser bella, salvar a las ballenas, reconstruir Notre Dame de Paris, votar por el mejor candidato, comer biológico, estar a la moda, reciclar, visitar las Filipinas, ser madre, bailar bien, ser inteligente, ser sencilla, estar a la moda again, ayudar a un anciano, adoptar un hombre… feminista, ecologista, con con conciencia social y filosófica en el que LA artista despliega todo su talento circense y su sensualidad feroz. Fuerte pero frágil, bella* pero bestia, torpe pero sabia, Piscis pero con ascendente en Virgo*…

Proyecto Papy invita al público a vivir un momento atroz de risa y de amor* y de risa y pudor y de risa y de tristeza*. Un momento de vida contemporánea misma.

*La veracidad de estos conceptos puede ser cuestionada, pero no se preocupe: los presidentes mienten más, escriben peor y consumen drogas (hasta que se vuelven evangélicos)

Oveja negra

La historia de una joven mujer en una época en donde lo común era formar matrimonio, tener varios hijos, dedicarse a las tareas domésticas y terminar abandonando sus carreras profesionales. Una problemática que aún continúa vigente para muchas mujeres.

Ubicado en un contexto histórico en donde era difícil que una mujer ocupara un rol de poder, esta mujer decide formar su propia compañía artística haciéndose pasar por hombre. De esta manera crea un espectáculo a dúo con un compañero que desconoce su condición de mujer. Este es punto de partida de esta historia que combina la comedia, la acrobacia en dúo, la danza y el teatro físico como medio de comunicación.