Trànsits

Artista de nacionalidad Chilena y Croata. Nacida en 1996 en Chile. Comenzó su formación profesional en la escuela de circo y danza, Circo de las Artes, en Argentina. Luego se formó en la escuela de circo FLIC Scuola di Circo en Italia (2015-2017) y en ACAPA, Academy of Circus and Performance Arts en Países Bajos. Actualmente reside en Barcelona y se encuentra cursando la formación de teatro experimental en Laboratorio Escuela.

Trabajo como intérprete en el espectáculo Jardin de los ángeles de la compañía Theater Tol, en el Festival Santiago a Mil y en el espectáculo Leyendas, de la compañía Circo Patagonia, en Chile.

También participo como intérprete en los festivales Mirabilia y La isola che non che en un colectivo dirigido por Francesco Sgro en Italia. Creadora e interprete de la pieza Desvanecer, en Nunart Guinardó, Festival Amalgama, Festival Utopía y Festival Escena Circo.

Docente de cuerda y telas aéreas en Escuela de danza Trackdance, el Piccolo Circus, Centro cultural Casa Bufo, Centro cultural La Higuera y Espacio 7siete en Chile y España.

‘Flores a un pedazo roto’

‘Flores a un pedazo’ roto es un solo que involucra el circo, la voz y el cuerpo para hablarnos de fragilidad y soledad. Todo sucede en un dormitorio lleno de ropa y objetos que nos llevan a un universo que roza infantil. A lo largo de la pieza la habitación se va deformando para llevarnos a sentir lugares a los que viaja la mente en la intimidad: recuerdos, deseos, pesadillas.  

Nos invita a endulzar y valorar la vulnerabilidad y abrazarla, recordar la infancia, reivindicar lo cursi, lo frágil y lo sensible desde un punto de vista muy femenino.

«Quede tan sola, al fin, tan sola,
que pude llorar por toda la casa,
mi mundo era solo deshacerse,
deshacerme con suavidad,
como una caricia,
por fin me quede sola,
no tuve que explicarle a nadie.

La niña que sigue viva me toca la puerta,
no me molestes ahora que soy otra,
que tu ya te has ido.
hoy nadie me va preguntar,
hoy no voy a abrir la puerta,
quizás este día me siento menos sola que nunca.»

Fue en la escuela de circo Crescer e Viver en 2011 donde Cássia y Rodrigo se conocieron por la primera vez.
Durante la formacion , Cássia continuó su formación teatral y Rodrigo inició un curso técnico de danza contemporánea.  Junto con otros 10 alumnos, forman la Cia Circo no Ato, con la que crean 4 espectáculos en 5 años, se especializan en los portés acrobáticos, circulan por todo Brasil y se convierten en una referencia en el circo de Río de Janeiro.  En 2017 circulan con su más reciente espectáculo, A Salto Alto, dirigido por Roberto Magro, por Europa, pasando por España, Italia, Galicia, Portugal, Cataluña y Bélgica.  Durante este pasaje, deciden profundizar en su investigación escénica como dúo e iniciar una nueva formación profesional en la escuela de circo del Lido de Toulouse.

Una vez finalizada esta formación, se embarcan en un pequeño proyecto de 15 minutos, Despir, y se suman a la nueva creación de Smart Cie de Bordeaux, UBA, que se inaugura el 9 de julio de 2022. A finales de 2021 empiezan a imaginar la primera creación de un espectáculo largo: Rupestre.

‘Rupestre’

‘Rupestre’ son cruces poéticos y corpóreos entre pasado, presente y futuro creados como un escape surrealista al origen prehistórico de la humanidad.  La intención es reconstruir, ampliar y sintetizar símbolos, imágenes, herramientas y movimientos capaces de provocar una reflexión contenida en la igualdad de género y la preservación de la naturaleza.

  La música juega un papel principal en este espectáculo.  Los instrumentos se tocarán en el escenario con la ayuda de un pedal de bucle.  La trama se desarrolla a partir de la percusión, el primer impulso sonoro del hombre primitivo: a través del choque entre objetos, los ruidos se transforman en sonido, luego en ritmo, melodía, danza y espectáculo circense.

‘Rupestre’ se sumerge en trance como lenguaje de la memoria, con el cuerpo concebido como guardián de la ancestralidad y nuestra mayor herramienta para acceder al pasado y co-crear un futuro más igualitario y diverso.

Firma foto: Benoit Martrenchar

Alexandre Duran Davins (1997, Mataró). Formato en teatro, teatro físico, Stanislavski y danza teatro. Formato en las escuelas de circo Rogelio Rivel, Ecole lleva Cirque de Lyon y ESAC. Integrando del espectáculo The Chosen Haram, ganador de varios premios en el Festival FRINGE de Edimburgo.

Pep Duran (1942, Agentona). Terapeuta gestalt, formado en psicomàgia (Alexandre Jodorowsky). Educador especializado, miembro de grupos de teatro amateur. Socio de honor del AEDA (asociación de profesionales de la narración oral en España).
Profesor de la escuela de escritura del Ateneo Barcelonès. Miembro de honor del consejo Catalán del libro infantil y juvenil (CCLIJ).
Narrador oral desde el año 1976. Como librero, miembro de la cámara del libro, del gremio de librero y de la CEGAL.
Participando en el programa infantil PLANETA IMAGINARIO de TVE (1984-1988).

‘Com matar el pare’

Dos vidas, dos épocas, dos seres.
Un hijo y un padre, un artista circense y un cuetacuentos, un joven y un viejo.

Se adentran en historias con las que han crecido, recuerdos que han vivido, pérdidas que han sufrido.

Con la palabra y el movimiento, padre e hijo exploran su relacion, sus miedos e ilusiones, la vida y la muerte.«Matar al padre» es una expresión del ámbito freudiano que se refiere, dejando de lado las alusiones sexuales, a la necesidad que sienten los hijos de afirmarse en sus convicciones para tener una vida autónoma ante el hecho ineludible de que una parte importante de su vida se llevará a cabo sin contar con la protección y guía que un día nos prestó.
Desde esta necesidad humana, exploramos la dependencia e indepedencia del individuo, la empatia y el rechazo.

La sombra de la demencia senil y la muerte están presentes en esta creación como una realidad punzante e inevitable.

Josefina Colli nació en Bahía Blanca en la provincia de Buenos Aires, Argentina en 1990.
Influenciada por una familia de artistas plásticos decide estudiar el profesorado de Artes Visuales en la ciudad, pero paralelamente descubre el circo explorando así diferentes disciplinas hasta encontrarse con el elemento Cyr Wheel.

En Bahía Blanca, integró la compañía “El despegue” cuál fue apoyada en varias ocasiones por el Fondo Municipal de Artes, al igual que para la producción de Cyr Wheel “Entre nos” en 2018.

Autodidacta durante años, decide crecer artísticamente y viaja a Europa profundizando sus estudios en la escuela de circo “Flic” en Torino, Italia.
Continuando con su formación y buscando ampliar su expresión corporal, asiste a la escuela de danza contemporánea «Area Dansa Barcelona» en Barcelona, España donde actualmente reside.

A partir del aprendizaje, investigación y desarrollo de ambas disciplinas se cuestiona: ¿Cómo crear y desarrollar un lenguaje personal donde puedan convivir y articular ambas disciplinas sin llegar a la existencia de una jerarquía?

Poética salvaje

“Poética Salvaje” cuestiona e indaga sobre la relación que existe, y todavía no, entre el movimiento que nos brinda la Danza y el elemento Cyr Wheel, analizando cada una por partes separadas para luego llevarlas a la pregunta-acción: cómo se pueden entrelazar para encontrar el instante de retroalimentación, flujo y convivencia de ambas técnicas, dejando de lado la jerarquización y apostando por la democratización?

Un diálogo constante creado desde un lugar muy íntimo que parte de preguntas sin respuesta , escritos poéticos y antónimos, que quizás merecen ser ordenadas o no, pero que mantienen al
cuerpo-objeto en constante feedback creando un lugar libre y sin máscaras donde el cuerpo-objeto se presenta como garantía de lo más concreto, de una verdad de movimiento.

Un trabajo de investigación  que se inspira y alimenta de diferentes escritores de la danza y filósofos, así cómo también bailarines-circenses que hablan desde el cuerpo, el juego y la composición instantánea.

Firma foto: Lidia Rebollar

Soa Payet, autor en escena, trabaja con la memoria, la que fue y la que hay que inventar con nuestras acciones presentes.
Se trata de redescubrir las historias que surgen del imaginario del circo en su sentido más amplio, donde danza, texto y objeto circense se mezclan. Creció entre la región parisiense, la isla de la Reunión y, últimamente, en Colombia y Ecuador. Se formó como artista de circo en la escuela de circo de Amiens, Montpellier, Bruselas y Toulouse.
Ha pasado por el aprendizaje de la danza, del payaso, del Butoh y del teatro. Todos estos territorios lo han llevado a concentrar su trabajo en sus raíces para comprender el que travesía a las generaciones y aquello que exige ser escuchado.

Zoé Debary, en la dramaturgia, llevar a cabo una investigación académica sobre los gestos y las palabras circenses. Desde su trapecio-danza bajó al suelo del escenario para pisar la coreografía de los cuerpos a través de la danza GAGA (GAGA MOUVEMENT) y la apertura del actor gracias a la formación Chéjov de Bruselas. Desde su experiencia acompaña a los artistas de circo en la creación, «Circus remix» del Tercer Circo (2017-2018), «No puedo morir» de la Cie La Geste (2019-2020), «PAPY» de Lucha Emilia (2020-2022).

Su investigación resuena en sus trabajos, sus trabajos resuenan en su investigación. ¿Cómo encarnaremos los (drama)circos?

La memoria de la Pepa

Nuestro proyecto nace entre las montanas de Medellín y las alturas de la isla de la Reunión. Buscamos a formular nuestros gritos interiores. Gritos de desarraigados, gritos escondidos en las gargantas apretadas, gritos silenciosos que se escuchan en el fundo de la tierra, gritos de nuestros ancestros y descendientes.

“La memoria de la pepa” es un cuento de circo, la historia de Pipo, un vagabundo. Recordar, recordar, hacer aparecer, sacar a la luz, el espíritu aterrador del saqueador colonial y la profundidad de la selva. Haciendo malabarismos con sus sombreros de paja toquilla, sus velas, sus telas colgantes, estructura el espacio y su tiempo. Pipo se transforma y crea sus propios rituales, baila la pérdida con amor.

No elegimos representar una cultura en particular. Elegimos inventar una historia inspirada en la memoria de los ancianos y a su vez en las preguntas de hoy que exigen nuevas formulaciones. Recabamos en la historia de nuestras memorias para encontrar fragmentos de lo que se ha perdido y de lo que se debe reinventar.

Firma foto: Simon Nguyen

Desde pequeña se interesó en  las artes escénicas, explorando la danza y el teatro, para posteriormente descubrir el circo a través del Centro de las Artes Aéreas en Santiago de Chile. Una vez que decide hacer del circo su vida profesional, se forma en las escuelas Flic  Scuola di Circo (2015-2017) y L’ecole de cirque de Lyon (2018-2020) especializandose como ágil de mano a mano.

Formó parte de la compañía Michele & Francisca, siendo coautora del espectáculo SIGNOS, que giró en varios formatos durante los años 2020-2022.

Actualmente, forma parte del COLLETTIVO COLLETTIVOM, en el espectáculo Mariage (estreno 2024) y del COLECTIVO Q||MƎRA dentro de REQUIEM- investigación para un acto performativo des-orgánico.

Interesada en la música como artista autodidacta, realiza investigación sonora y creación musical con la voz y loop station.  Además, forma parte de la coral feminista semi-profesional  “L’ebranleuse”.

La primera y la última

Llegada al final, estoy de nuevo en el principio

“LA PRIMERA Y LA ÚLTIMA” es un proceso creativo palpitante,  agitado e impaciente por dar paso a una experiencia artística mutante y transformadora. Impulsada por el deseo de reencontrarme en escena como cuerpo expresivo artístico y legítimo, abro la puerta a esta creación dentro del programa “búsqueda esencial”,  un tiempo para perderme dentro de un espacio de experimentación y ruptura.

Fragmentar y reconstruir  los lenguajes que anteriormente he utilizado  para profundizar en un modo de expresión  líquido e inestable donde se difuminan  las delimitaciones entre cada lenguaje.

Música, voz, movimiento, márgenes, cuerpo político, vértigo, nuevos imaginarios: una parte de los hilos que se irán tejiendo  durante la búsqueda.

Quizás todo esto sea una buena descripción de lo que procuro hacer, considerando que posiblemente,  será todo lo contrario.

Firma foto: Gaby Merz

Nace el 2 de mayo de 1998 en Badajoz, Extremadura, donde hay muchas encinas. No tenía ni 2 años cuando bailaba Sonia y Selena en el salón de su casa, imitando cada una de las coreografías de la cinta VHS del fin de curso de su hermana, a los 8 años escribió un poema a la virgen y el resto es historia, hizo la formación profesional en Carampa de 2016 a 2018 y durante el curso siguiente formó parte de distintos Freestanding Courses en DOCH, School of Dance and Circus (Estocolmo), varios específicos de su disciplina, el equilibrio sobre manos y uno sobre el desarrollo artístico dentro de la disciplina circense. En junio de 2019 audiciona para l’École Superieure des arts du cirque en Bruselas y es aceptado, tres años más tarde acaba de graduarse y tiene el pelo más largo y le gusta menos la lluvia y le gusta más el café y más escribir y más el circo, supongo. También es egresado de la II Promoción del Máster de Poesía de la Escuela de Escritores de Madrid y parte del Colectivo Simul Solus. «El patio» es su primer proyecto como artista/creador en solitario.

El patio

«el patio» es un proyecto de investigación interdisciplinar que pretende experimentar con la intimidad, el deseo y el poder del lenguaje mediante la fusión escénica de la poesía y el circo, utilizando la acro-danza, el equilibrio sobre manos, la escritura en directo, el trabajo sonoro y la la voz como medios y canales de expresión.

Existe un punto de encuentro concreto entre ambas disciplinas del que nace el esqueleto del proyecto: la manera en la que utilizan la técnica pura como canal de creación y la forma como objeto final.

Construyendo un espacio dentro de un espacio, el patio juega con los límites entre lo verdaderamente íntimo y lo completamente público, ya que cuando intentas relatar o compartir algo íntimo su cualidad de íntimo desaparece y adquiere por unos segundos una dimensión nueva.

«La intimidad es un pez saltando entre manos manchadas de aceite y yo pierdo aceite muchísimo aceite»

Después de estudiar en la escuela de circo Flic en Turín (Italia), Andrea Speranza continuó su práctica de malabares con la escuela de circo de Lyon. Luego, se interesó por estudiar la magia en todas sus formas y desarrolló su potencial como ilusionista.

Participa, como artista, en creaciones como Censura dirigida por J.M. Guy, Roberto Magro y Johnny Torres en 2019, o como Impromptu de la compañía catalana Circ Teatre Modern en 2014.

Ha trabajado como apoyo a la creación y como asesor de efectos ilusionistas con la compañía La Frontera y en el espectáculo Pasajes de Alice Rende. También trabaja para otras empresas como consultor de efectos especiales.
En 2021 y 2022 formó parte del Grupo de Seguimiento del proyecto transfronterizo Horizon de Cirque y también participa en el tercer módulo del proyecto europeo Digital Leap en Terrassa (Catalunya) y en el proyecto transfronterizo Antípodas realizado entre La Grainerie de Toulouse (Francia) y Pistacatro (España).

Actualmente forma parte de la formación de Formalización de Proyectos, liderada por el Esacto-Lido de Toulouse.

Cose a caso – trucos asì o cosas detràs

‘Cose a caso’ es un proyecto de creación de experimentos físicos y magia de cerca para espacios íntimos.
‘Cose a caso’ es un solo que no pretende hablar de la soledad, sino que por el contrario intenta tejer relaciones con el público y entre el público mismo.

Los experimentos e ilusiones presentados aquí son sólo un medio para crear relaciones y conexiones.
Es un solo que no quiere serlo y que intenta establecer una convivencia activa de otros tiempos entre el ilusionista y el público.

Partiendo de una forma alegre y conversacional, el ambiente se transforma para virar hacia otras estéticas. Manipulación de materiales efímeros, como cenizas, sombras, espejos y luz.
El mago juega con imágenes para realizar ilusiones: ¿realidad o realidades? La magia viene del conjunto, no es el poder del mago.

Ponerse preguntas sobre las fronteras de no saber cuándo y cómo comienza o termina un truco, si se cometió un error o si la magia es una voluntad a partir de una decisión real. ¿Es esta la ilusión?

Firma foto: Thomas M.B.

Nacido en Reus, formado en la escuela de circo Rogelio Rivel de Barcelona (2010-2012), a la International Art School de Pekín y al Ésacto’Lido de Toulouse (2014-2016).

Especializado en equilibrio sobre las manos, torsión, danza y teatro. Co-creador de la compañía Random. Laureado por Circusnext 2019.

Ha actuado en varios lugares de Europa, al Circ d’Hivern del Ateneu Popular 9Barris y al Mercat de les Flors (Barcelona), Theatre de la Cité International (París), CircoBalkana (Croacia), La Grainerie (Toulouse), Halles de Scharbeck (Bruselas), Mesopotamia Circus (un festival de Turquía). Bailado con artistas de Krump, de Butoh, danza africana, raves y bachatas de nivel de élite.

‘Candy’

«Tuve ciertas dificultades para volver a tomar posesión de mí mismo. Es una experiencia extraña. Verse las piernas como objetos separados, alejados de la mente, a la que están vinculadas casi por casualidad. Imaginarse con incredulidad, como un montón de miembros que se agitan y uno necesita esos miembros, los necesita desesperadamente, pero aun así a veces parecen muy raros, muy extraños. Sobretodo las piernas.»

Felipe Nardiello

Su trayectoria artística inicia con la ruptura con el mundo de la psicología (profesión a la cual se dedicó) y la apertura al circo. Estudió en la escuela de circo «FLIC» en Italia, donde se especializó  en su disciplina principal la rueda cyr.

Gines Belchí Gabarrón

Inicia sus estudios profesionales en la escuela de circo “Rogelio Rivel” (Barcelona) para luego realizar la escuela superior de circo “Lido” (Toulouse) donde se especializa principalmente en la acrodanza.

Al finalizar sus estudios crea y actúa el espectáculo El lado oscuro de las flores, participa en el Circ d’Hivern SOPA del Ateneu Popular de Nou Barris y forma parte de la última creación del colectivo Primavez (Francia) en el espectáculo Intudewail.

Que me tiren al mar

“Que me tiren al mar” transcurre en una dimensión íntima, relacional, en un espacio emocional. Es un viaje que busca relacionar desde una emocionalidad física la temática de los problemas.

¿Cuál es tu problema?

Es un relato físico que nos habla del humano desde un potencial problemático, un potencial de fragilidad, un potencial de cuestionamiento acerca de cómo el sujeto moderno se relaciona en su vida.

¿Cuál es tu solución?

En un universo filosófico abstracto, los cuerpos y una rueda cyr articulan el discurso. Sus palabras están construidas del movimiento acrobático de dos cuerpos, la relación emocional de estos dos y una rueda cyr, que propone situaciones cíclicas y circulares, que se pueden convertir en problemas o soluciones.

Artista circense (2016 – Escuela de Circo Rogelio Rivel) y educadora social (2013 – Universitat de Barcelona) de formación y de deformación todo el resto: investigadora del movimiento y de la acción performativa, impulsora de proyectos pedagógicos con el arte como eje transversal, formadora, creadora y con un gran interés en la interdisciplinariedad. Estudia con profesores/se como: Mal Pelo, Hamza Benlabied, Andrés Corchero, Alexander Gavrilov y Semolina Tomic, entre otros. El año 2016 cofunda la compañía: Cía Capas (CAT), un dúo de portés acrobáticos. El 2018 es cofundadora y artista del colectivo: Ino Kollektiv (FR) de portés acrobáticos en femenino con el que sigue trabajando actualmente. Con el colectivo forma parte de un nuevo proyecto de circo, canto y psicología: Ekco (MX-*IT-FR-SE) y otro proyecto de circo espontáneo y de improvisación con la disciplina de los portés acrobáticos: Improportes (FR-SE) conjuntamente con otra compañía: kolektivo Konika. El 2022 inicia la investigación personal por el proyecto: Cavidad f.

Cavidad f.

Cada cuerpo es una síntesis de su historia. La memoria puede ser explícita cuando podemos explicar o describir razonadamente una experiencia concreta o implícita cuando el cuerpo reacciona a experiencias que no puede procesar por la mente. ‘Cavidad f.’ es un proyecto artístico que investiga la materialización de la memoria en el cuerpo o de lo contrario dicho: las memorias corporales o encarnadas: todo aquello que queda grabado en el cuerpo en forma de movimiento, de gesto, de sonido o de postura en recuerdo (mayoritariamente inconsciente) de una vivencia concreta. La idea es propiciar un trabajo que ponga en relación el propio cuerpo con la codificación de estas memorias, entender las formas y sus procesos de aprendizaje, ver qué y porque han sido olvidadas y si es necesario o no visibilizarlas y resignificarlas. Observar como afecto en todo esto el contexto y también la relación entre dos o más cuerpos y pensar cómo generar así, memorias corporales colectivas.

Abby Neuberger y Luca Bernini se conocieron en la escuela de circo FLIC en Turín el 2012, donde la gimnasta americana y el jonglor italiano empezaron a trabajar juntos el mano a mano y el teatro físico, para crear un vocabulario corporal propio de su dúo. Juntos ingresaron a la Academia Fratellini el 2014 donde continuaron perfeccionando su técnica acrobática y desarrollaron sus investigaciones alrededor de un imaginario lúdico y absurdo (Willy Axton 2016; Morning 2017). Desde su estreno en 2017, crean su primer espectáculo, Compuesto.

Abby y Luca creen que la actuación es un acto de vivir en el presente, en el espacio donde se encuentran, así como un descubrimiento de cosas sorprendentes, del inesperado, con el público. Con la Keep Company, que crean en 2019, quieren interrogar nuestra relación colectiva en la tierra y defender las artes del espectáculo como medios legítimos de abrir las discusiones sobre el medio ambiente. Y a través del espectáculo, continúan buscando el que puede significar el ser humano, a través del humor y la risa.

‘Underfoot’

Con ‘Underfoot’ trataremos el tema de la natura a través el ángulo de la descomposición, de aquello que pasa después de la muerte, de la transformación de la materia en otra forma de vida, o en otro ser vivo. El equipo se interesará por los actores descomponedores (o transformadores): gusanos, protozoos, bacterias, por las reacciones químicas que son la base de las transformaciones de materias; por las reacciones entre átomos que crean nuevas sustancias sin pérdida ni adición de componentes. Y a través de su lengua, mezclando teatro físico y técnicas de mano a mano, intentarán representar estas reacciones y relaciones.

En una gama más larga, en eco a su primera creación ‘Compuesto’, Abby Neuberger y Luca Bernini intentan seguir la historia de los ciclos de la vida: evoluciones y cambios de las épocas geológicas, y las trazas dejadas por los cambios de las especies en el jefe de miles de años de vida en la Tierra.

Kolektivo Konika nace de la necesidad de juntarse en comunidad para crear, desarrollarse como artistas y poder indagar en la disciplina de equilibrismos acrobáticos entre mujeres. Está formado por Candela, Elisa, Greta, Hannah, Michela y Shakti. En marzo de 2021 estrenan el espectáculo La punta de mi nariz. Mientras giran con este espectáculo se dan cuenta que tienen tantas ideas que no los es suficiente una sola producción y no los queda más remedio que zambullirse en otra creación. Así es como piensan en una colaboración con Ino Kollektiv.

Ino Kollektiv
Colectivo formado por Alba, Chloe, Eva Luna, Lav, Noémie, Raphaëlle y Rebecca, seis nacionalidades, cinco idiomas diferentes y cada una con un universo personal muy identitario. Todas estas diversidades los presentan un mundo en conjunto con una complejidad bella, que tienen ganas de compartir. El 2021 el colectivo se abre a nuevas colaboraciones, como una creación colectiva de improvisación y circo junto a Kolektivo Konika.

IMPROPORTES

Una propuesta de circo contemporáneo que buscará instantes donde todo puede pasar, donde podamos ceder a lo impredecible y crear composiciones instantáneas.

Dos colectivos de mujeres que se mezclan a través de la improvisación acompañadas de una artista presentadora y 2 músicas.
Utilizaremos los portes acrobáticos como hilo rojo que inserte maneras de vivir y estados de ánimo, siguiendo el rastro de un instante de ingravidez.

Habrá circo e improvisación, 16 mujeres en escena en una mezcla de mano a mano, música y canto, en un marco de varieté cabaret. Todo se crea en el momento: cada actuación es única, diferente y mágica. Un espectáculo donde el espectador podrá repetir sin repetir.

Tenemos ganas de jugar. Un punto de encuentro será el mano a mano, una disciplina que nos obliga a juntarnos y recrearnos furtivamente de un ritmo que, en cada interacción, vuelve a singularizar nuestras particularidades en un encuentro efímero.

Firma foto: Clara Pedrol

Elena Zanzu es performer, investigador, dramaturgo. Sus intereses prácticos y teóricos giran en torno a género, discapacidad, ética, cuidados y metodologías de investigación artística.

Diplomado en pedagogía por la Escuela Nacional de Circo de Montreal, máster en Filosofía por la Universidad de Bolonia, ha estudiado dramaturgia de circo en el Centro Nacional de Artes de Circo CNAC de Francia.

En 2020-2022, ha sido parte de The Circus Dialogues (continued), proyecto de investigación entre práctica y teoría del circo en la Universidad KASK de Ghent. Enseña circo y género en la UAB. Es miembro del colectivo de investigadores de circo CCCirque. Porta la curaduría de eventos sobre investigación, prácticas artísticas, dramaturgia, género.

Su sólo EZ, estrenado en el Mercat de les Flors en mayo 2022, y premiado por la plataforma europea Circusnext, aborda las dinámicas de poder y la negociación del consentimiento.

(HYP)NO Research (título provisional)

Elena Zanzu empieza un nuevo proceso de investigación, alrededor de técnicas de inducción del trance, hipnosis, magia, ilusionismo, faquirismo y otras prácticas extremas. Poniendo en el centro los cuidados, las relaciones, los roles y los intercambios de poder.

Firma foto: Mila Ercoli

Nieto de una abuela que iba por actriz cuando estalló la guerra civil, hijo de un padre que iba por payaso hasta que descubrió el periodismo, Manel Rosés Moretó, viene de una familia de «casi artistas».

Inquieto por naturaleza, encuentra en el circo la forma de estar siempre en movimiento. Esto el puerta a formarse como acróbata en la escuela de circo Rogelio Rivel y en la universidad de circo y danza, de Estocolmo, DOCH. En la primera parte de su carrera profesional trabaja con el cuarteto de báscula coreana Balagans en diferentes circos y cabarés como el Cirque lleva Soleil o lo Circus Roncalli. Una fuerte lesión lo hace replantearse el oficio y mientras se recupera, decide formarse en otros campos de las artes escénicas. Hace un curso de dramaturgia a la Beckett y una vez recuperada, sigue formándose en movimiento, teatro y dramaturgia. En la segunda parte de su carrera participa en creaciones y espectáculos como inTarsi de la compañía EIA o Desdèmona de Alba Sarraute. El 2016 crea, junto con Nilas Kronlid, su primer espectáculo propio Gregarios.

Proyecto actual: ‘Alias mariano’

‘Alias Mariano’, habla sobre el hecho de quedarse, sobre otras vidas posibles y sobre vidas pasadas. Sobre los deseos, infinitos, y sobre nuestra existencia limitada.

En medio de la sala, una escala que no lleva en ninguna parte representa la tentación constante de salida por el hombre que lo habita. Debajo la escala, los objetos que lo arraigan en este espacio y de los cuales hay que gastarse para marchar. Cómo salir de este culo-de-saco? Cómo habitar un lugar que ya conoces?

Mientras intenta responder estas cuestiones, tendrá que aprender a moverse con habilidad y precisión en el espacio, cada vez más reducido, de bajo la escala. Tendrá que alargar hasta la extenuación la subida de veintidós esgraons. Y tendrá que repetir en loop movimientos cada vez más complejos. Retos de un hombre que busca redefinirse, cuestionándose aquello que ha esculpido su vida hasta ahora; su oficio. Un oficio del cual nos hablará en una mezcla de ironía, melancolía, chasco y ternura.

Firma foto: Marta Garcia Cardellach

Elles

Un espectáculo multidisciplinario; que combina circo, movimiento y música en directo buscando un lenguaje propio que  las defina como artistas.

Principalmente investigan diferentes reflexiones de identidad y género, tratándolas desde un punto de vista fresco y moderno. Un concierto escénico de música electrónica donde dos personas transitan la escena en un continuo éxtasis y desconcierto, cuestionando sus identidades y su forma de relacionarse entre sí. Interrogando su identidad como mujeres y los clichés a los que va asociada. ¿Qué es una mujer? ¿Qué es un hombre? ¿Qué somos si no somos nada?

Incontrolables, pisan vidrios, mezclan música en directo, tocan instrumentos boca abajo a varios metros de altura, se suspenden una a la otra por los cabellos, tiran dardos, explotan manzanas, se las comen y forman estructuras corporales imposibles de descifrar.

Firma foto: Mar Bautista

Provinents de diferents punts cardinals, aquestxs artistxs es mouen entre experiències de cinema, trapezi i acro-dansa. Algunxs de ellxs ja han passat pel programa de Trànsits de la Creació i ara reviuen com clubkids, que saben de tarot i de dansa butoh, practicants de la fotografia i devotes de l’activisme. Es defineixen com a circ impràctic i dragtivisme, com a força de xoc i espai de cura. Com un aquelarre que es dirigeix voluntàriament a la foguera en l’acte performatiu, per a demostrar que “per a donar llum cal calar-se foc”, en la seva cita de Susy Shock.

Niebieski

Cuatro individuos entran en una sala azul, como si estuviesen en un avión que esta por despegar: -se preparan. Un espacio de gestión emocional que esta por revelarles su sistema. Se adapta y ofrece lo necesario para que cada unx pueda modicarse y transitar libremente lo que la sociedad tilda de indigno, gestionable solo a escondidas. A través del juego, con los objetos cotidianos que la sala brinda, se reapropiaran de símbolos de la cultura popular. Es así como una pelota de futbol será resignificada: la invitada de una cena o un par de tetas diminutas. Seguido a la catarsis como introducción, comienza un circuito donde lo doloroso y sucio muta en un ritual de iniciación, del que fueron privadxs. Desarrollar una forma de relacionarse con los emblemas del binarismo patriarcal, desembocará en una narrativa colectiva. Pondrá en práctica la empatía, para navegar todxs el proceso de convertir lo inadecuado en empoderante.

Pròxima Centauri

La escena está llena de hojas de otoño. Un péndulo oscila a ras del suelo y remueve las hojas con el aire que genera. A partir de aquí la puesta en escena juega entre aquello natural o simple y aquello artificial o complejo a través de elementos como el agua, hojas, péndulos y una rueda cyr.

Con la ayuda de estos elementos explora los lenguajes que utilizamos a través de la ciencia y el arte buscando en la creatividad el punto común entre cualquier disciplina científica y artística. Toma como referencia la evolución de una estrella similar al sol y se refleja en sus fases vitales desde que nace hasta que muere. ¿Es la ciencia simplemente una manera de entender el arte presente en la naturaleza?

La pieza lleva el nombre de Proxima Centauri: la estrella más próxima al sistema solar situada a unos 4,2 años luz y forma parte de un sistema estelar de 3 estrellas, una de ellas muy parecida a nuestro sol.

troposfera.xyz és un projecte artístic de Dídac Gilabert que analitza el món des de la mirada d’un malabarista, apreciant els petits detalls i el perquè dels fenòmens que ens envolten. Passen el temps movent partícules que estan disperses en l’espai, i això els fa feliços, contemplant tant a escala macroscòpics com microscòpica que no som res més que una acumulació de matèria i idees, i que la cobdícia de ser ha anat erosionant el planeta. Aquesta creació obre una nova línia de treball per a troposfera.xyz. Al programa de Trànsits de la Creació vam poder seguir de prop el procés de creació de l’anterior treball d’aquesta companyia, sota el nom de Dame du Cirque, i també han estat implicades en el projecte d’educació i cultura EN RESiDÈNCiA aquest curs 2020-2021.

Polychromatic Void

Ja fa un temps que estic bastant obsessionat amb la música ambient i els sistemes generatius que molts paisatgistes sonors fan servir per arribar a nous horitzons i textures. Després d’investigar molt sobre música generativa, he decidit fer el mateix amb els malabars, i buscar en direcció cap a un parell de subgèneres que de moment anomeno “Ambient Juggling” i “Generative Juggling”.

“L’ambient juggling” és un malabarisme sense pretensions, és un acte que té com a motor la dissolució constant, existeix sense necessitat de destacar respecte a l’entorn. El “generative juggling” va un pas més endavant, i intenta entendre tot l’entorn com un sistema que dóna inputs i rep estímuls, i en funció de tots aquests paràmetres evoluciona cap a indrets no plani cats, però si que poden estar acotats. Polychromatic Void va més encaminat al “generative juggling”. Crear un sistema híbrid entre malabarista, malabars, vídeo, música, il·luminació, codi i altres elements, on tot estigui connectat i en un constant diàleg.

El origen de la compañía data del octubre del 2018 a partir del encuentro entre Jordi Solanell y Alex Cabrer. Hasta el momento Jordi había trabajado en un número de circo de corto formato (aprox 10 min) con el mismo nombre, a partir de este encuentro se decide apostar por un trabajo a dúo para desarrollar esa idea inicial, mezclando así distintas tecnologías audiovisuales con técnica de mástil chino y teatro físico y audiovisual. En enero de 2020 se integra Víctor Bobadilla, doctorando en Estudios Teatrales, para desarrollar un trabajo desde la dramaturgia y dirección artística. La última incorporación de la compañía es Veronica Cappozoli, directora de teatro y artista circense, para el acompañamiento artístico dando apoyo al trabajo realizado por Victor Bobadilla.

‘A hang up’

Entre papeles de periódico, locura y ansiedad, vemos la agonía de un artista de circo, atrapado entre su técnica y la manipulación de su alter ego. El artista como sujeto de rendimiento, que se “cree” en libertad, se ha encadenado en su autoexplotación con el cual está en guerra. El sujeto de nuestra historia transita en este viaje, donde se mezclan la pasión y la obsesión, el consciente y el inconsciente, incapaz de reconocer y comprender su realidad.

Una mirada hacia la sociedad desde el agotamiento, la fatiga y la asfixia derivados por la hiperproducción, el hiperendimiento y la hipercomunicación, nublando la concepción de lo auténtico. ¿En qué consiste ese cansancio? ¿Es realmente posible aceptar que la libertad actual pueda ser paradójicamente una nueva forma de encadenamiento? Con estas preguntas proponemos el proyecto A Hang Up, una pieza de carácter crítico y actual.

Imagen: Clara Pedrol 

Leah Brooke es artista de circo de género no binario. Crece al norte de los Estados Unidos donde estudia musica, artes marciales, patinaje y danza. Más adelante se forma en la School of Acrobatics and New Circus Arts (Seattle) i en varias escuelas de circo y danza en Nueva York. Trabaja en diferentes compañías y productoras como: TinyDangerousFUN!; Triskelion Arts; Big Sky Works; House of Yes (2012-2016); y Constellation Moving Company (2015-2019). Des del año 2021 vive en Barcelona, donde estudia el Máster en Gestión de Empresas Culturales en la UB y trabaja en su proyecto artístico, ‘liturgia atómica’

Crèdit: Katarina Rothfjell

Collettivo Collettivom son Aurora, Francisca, Gaia, Ivan, Michele y Riccardo, que se conocen el 2015 en la escuela de circo FLIC, de Torino.  Las ganas de compartir un camino artístico común se revela desde el principio, como el pilar de sus dos
años de formación, durante los cuales crean sintonías sorprendentes. El 2020 el colectivo se consolida como compañía.

‘Mariage’

Nos hemos preguntado cómo podemos abordar la multidisciplinariedad en la dramaturgia.
Hemos empezado desde las bases: en cada escritura escénica hay Personas, Objetos y Acciones.
De este análisis nace un código al cual hemos llamado “POA Sistema”.
Este camino de exploración conceptual y escénica conlleva en sí mismo una serie de significados que
nos interesan:
-El comportamiento de un colectivo con respecto a las reglas elegidas en común.
-El proceso de apropiación de una norma.
-Las interacciones entre diferentes comunidades que no tienen las mismas reglas.
-La búsqueda del momento que nos lleva a tener la necesidad de salir de los acuerdos
preestablecidos.
Lo que nos gustaría poder observar a través de nuestra exploración son todas esas reacciones de
adaptación, resistencia e interpretación personal que produce este proceso de traslación de la teoría a
la realidad.
Hablaremos de códigos como una herramienta que por contrapartida nos muestre lo que una fórmula
no puede decir, controlar o predecir. Es decir, nuestra VARIABLE HUMANA.