Trànsits

La compañía formada por Clara Poch y Marçal Calvet nace en 2008 y desarrolla un lenguaje propio que combina circo, teatro, danza y música en directo. Sus creaciones —Merci Bien, Amigoo, Flou Papagayo y Lady Panda— se han presentado en numerosos países y festivales como Fira Tàrrega, Trapezi Reus, Fira Mediterrània de Manresa, Umore Azoka, Fira de Circ de la Bisbal d’Empordà, La Strada (Austria), Vivacité (Bélgica) o Chalon dans la Rue (Francia), entre otros. Su trabajo se caracteriza por la integración de música en directo, poesía visual y una mirada humanista sobre el cuerpo y el riesgo.

Actualmente, se encuentra en proceso de creación de L’Ombra de la Libèl·lula, una pieza de circo contemporáneo y poesía visual que explora la fragilidad, la memoria y la transformación del cuerpo. Tras una lesión que obliga a redefinir la presencia escénica, la compañía construye un universo íntimo donde luz, sonido y movimiento dialogan para revelar la belleza del cambio. Un viaje simbólico hacia la luz que nace de la sombra.

Los artistas de circo Tona Punsola y Jordi Puigoriol, de la Cía. La Bel·Bel, y el bailarín y coreógrafo Jordi Cortés, de la Cía. Liant la Troca, se unen para sacar adelante el proyecto de creación escénica comunitaria Boxa, células y otras historias, que cuenta con la participación de un grupo de doce personas de la Fundación Joia.

A través del circo y la danza, el proyecto hace una exploración con memorias, recuerdos y fragmentos: historias íntimas y compartidas que aparecen, desaparecen y se recomponen, como células en constante transformación. Un proceso de investigación colectiva en el que el cuerpo se convierte en un archivo vivo. La memoria es el hilo rojo que atraviesa la creación: aquello que queda inscrito en el cuerpo, aquello que persiste, aquello que se fragmenta y se reescribe. Boxa, células y otras historias pone en valor la creación colectiva como espacio de encuentro, escucha y expresión.

Cherry Matakila es una compañía formada por Barbara (Argentina) y Simona (Suiza), quienes se conocieron durante su formación en Ésacto’lido (2021–2024). Tres años compartiendo momentos íntimos y desafiantes las unieron y, poco a poco, fueron sintiendo el deseo de crear juntas. Bleu et rouge es su primera creación conjunta.

La creación parte de una limitación: ¿qué ocurre cuando colocas una rueda cyr en un espacio de 2×3? ¿Y qué pasa con el resto de los elementos del espacio y con los personajes que lo habitan? Barbara y Simona se embarcan en este primer proyecto juntas: un juego con el circo y el humor absurdo como protagonistas, que reflexiona sobre los límites del tiempo y del espacio.

Kolektivo Konika es una compañía de circo-teatro establecida entre Italia y España, integrada por Candela, Elisa, Greta, Naikel y Michela. En 2018 se unieron para compartir la pasión por el mano a mano y hacer realidad este proyecto inicialmente situado entre el País Vasco y Cataluña. En marzo de 2021 estrenan La punta del meu nas, espectáculo que ha sido premiado tanto en Italia en el «Trampolino Vetrina 2022» como en España, con el Premio «Festival Territori Violeta 2022». En 2024 será el último año de gira de La punta del meu nas, que cuenta con más de 80 funciones desde su estreno, y el inicio de esta segunda producción: Matrimonio.

La obra actual reflexiona sobre la convivencia entre las tradiciones y la modernidad en la actualidad. Lo hace a través de un ritual muy antiguo: casarse. Matrimonio es una comedia disfrazada de tragedia, disfrazada de ceremonia, disfrazada de circo. Una mirada sobre el blanco y negro de esta institución tan antigua y universal a través de las técnicas circenses: puertas acrobáticas, rueda cyr, equilibrios y humor. Un espectáculo de calle donde el lenguaje es corporal, acrobático y absurdo.

OLGA_cirqAnalogique es una compañía uruguayo-catalana con sede en Barcelona, formada por Cata Aguayo y Alejandro Dutra. Las artistas fundaron la compañía en 2018, después de formarse en Le Lido – Escuela Superior de Artes del Circo de Toulouse. En OLGA confluyen el circo, la danza y la música para crear un lenguaje híbrido y sensible. Su motor es transformar experiencias personales en símbolos universales. Como personas migradas y queer, entienden la escena como un espacio de representación, resistencia y posibilidad.

En Utopía para un paisaje en ruinas, su segundo espectáculo, reflexionan sobre el final que nos espera como humanidad. El final se revela y, con él, la posibilidad de vivirlo como queramos. Todo lo conocido se derrumba y, con ello, nuestras jaulas. Elegimos construir un espacio en el que reconciliarnos con quienes somos; un presente donde, aunque sea por un instante, la libertad sea posible. Utopía para un paisaje en ruinas construye formas de recibir el final: el circo es aliado poético, vinculante y performático; los objetos metáforas y la música paisaje. La última canción, con su última danza.

Anna Pascual y Wanja Kahlert son dos artistas miembros cofundadores de la compañía Psirc. Desde su creación en 2011, la compañía ha desarrollado diversos espectáculos explorando y definiendo su propio lenguaje de circo. Además de subir al escenario, han asumido otros roles dentro del proceso creativo de otros proyectos. El centro de gravedad de su trabajo es el amor por la belleza, el humor, el misterio y el arte como vía para intuir una realidad más allá de la escala humana. Rolando San Martín es un artista multidisciplinario dedicado a la dirección y dramaturgia de proyectos escénicos. Su estrecha relación con Psirc comienza con la creación de El meu nom és Hor y continúa con la saga escénica Després de tot. Sus trabajos como director y dramaturgo están vinculados a la creación y a procesos que generan lenguaje, explorando la fricción entre diferentes disciplinas artísticas y del pensamiento.

En su proyecto actual, La casa intempèria, dos artistas de puertas acrobáticas, mundialmente conocidos en el circo contemporáneo, sufren un terremoto durante la representación. Se ven desamparados, sin espectáculo, sin casa, sin hogar. Después de constatar el dolor de las heridas recibidas, en el cuerpo y el alma, las autoridades sanitarias de la catástrofe obligan a usar el payaso para curarse. Ambos personajes toman conciencia de su fracaso existencial: se dan cuenta de que están absurdamente atrapados dentro de un espacio con paredes invisibles. Desesperados, buscan la manera de escapar de esta urna de cristal. A la intemperie de este interior abismal, dos payasos intentan, con 2000 varillas de tienda de campaña, construir una casa para salvarse.

Maria Solà (1981, Cataluña) crea obra disyuntiva para denunciar las disfunciones del sistema. Está vinculada al underground catalán y danés, produciendo festivales, performances, exposiciones y publicaciones en defensa de la contracultura. En lo que respecta a las artes escénicas, es intérprete y productora. Cofunda Las Feas (2002-2006) y The Brunette bros (2008-2020). Desde 2023 actúa en solitario con Mama Calypso y Fets Reals. En cuanto a las artes visuales, es investigadora y fotógrafa. Realiza publicaciones, exposiciones y cortometrajes.

Su proyecto actual, Nacionalidad española: trampas, evidencias y fotos prohibidas, es una crítica a los protocolos policiales, a los límites identitarios, a la veracidad de la fotografía y los sistemas de control. También es una oda al transformismo y un testimonio sobre la flexibilidad de la expresión de género. Es una evidencia, una osadía y una conquista. Una investigación cruzada entre las artes visuales y las performativas que ha llevado a cabo durante más de dos décadas, marcando su identidad artística especializada en el clown.

Victoria Sickness es una artista multidisciplinar con una trayectoria que combina técnica, creación e investigación escénica. Se ha formado en circo en el Centre de les Arts del Circ Rogelio Rivel y en Ingeniería de imagen y sonido. Desde 2017, es voz principal y saxofón tenor de la banda Las Marikarmen. Paralelamente, lidera su propia compañía, Cia. Victoria Sickness, que actualmente desarrolla un proyecto de investigación escénica sobre el cuerpo travesti en el circo.

Su práctica artística explora los límites del movimiento, el género y la expresión queer, conectando disciplinas y generando diálogos con el público desde una perspectiva experimental y vanguardista.

En el proyecto Algunis no tenim l’opció de no posar el cos, la artista propone una investigación escénica que parte de la frase de Roberta Marrero: «Algunas personas no podemos permitirnos el lujo de no poner el cuerpo». Explora cómo un cuerpo travesti habita el riesgo, la fragilidad y el humor mediante una combinación de lenguajes escénicos que desafían los discursos de odio. El proceso se complementa con una investigación de archivo sobre travestis en las artes escénicas en el Estado español, generando un diálogo abierto con todos los públicos y también con el espacio público.