Trànsits

Aurora Caja (Palma de Mallorca) estudia artes plásticas en la Escuela Massana de Barcelona y Bellas artes en la Universitat de Barcelona. Sigue la formación a la Flick Scuola di Circo de Turín, Italia. Allá se especializa en la disciplina de las verticales. Su primer proyecto se titula En Peligro de Extinción (2016).

Participa también en laboratorios de creación con profesionales como Semolina Tomic, Jean Michael Guy y Volmir Cordeiro, Roberto Magro, Marta Torrents, Eva Ordoñez, Cristian Coumin, Pau Portabella.

El 2018 empieza la creación de su primer espectáculo No verbal. El octubre de 2021 participa en la formación FOCON de Ésacto’*Lido (École Supérieure des Artes lleva Cirque Toulouse-*Occitanie, FR). El 2022 presenta No verbal en forma de recorrido al Museo Picasso de Barcelona. Como parte del dispositivo Creación y Museos y dentro de la programación del Festival Griego de Barcelona. Producido por La Central del Circo y el Museo Picasso.

A la vez, continúa trabajando cómo artista visual, en colaboración con la Cía Eia, Joan Català, y de manera independiente. El 2022 crea la exposición Out of the Box.

No verbal

“No verbal» transcurre en una dimensión íntima; en una placenta, en un espacio mental. Es un viaje de descubrimientos que se revela como la luz en la oscuridad.

Es un relato físico que nos habla del humano desde su honestidad animal. Una lucha por encontrar la propia voz en un mundo lleno de ruido. Una rebelión.

En un universo plástico, el cuerpo esboza la narración. Su lenguaje está hecho de equilibrios, de movimiento acrobático, de contorsión y de dibujo

Firma foto: Gaby Merz

Fue en la escuela de circo Crescer e Viver en 2011 donde Cássia y Rodrigo se conocieron por la primera vez.
Durante la formacion , Cássia continuó su formación teatral y Rodrigo inició un curso técnico de danza contemporánea.  Junto con otros 10 alumnos, forman la Cia Circo no Ato, con la que crean 4 espectáculos en 5 años, se especializan en los portés acrobáticos, circulan por todo Brasil y se convierten en una referencia en el circo de Río de Janeiro.  En 2017 circulan con su más reciente espectáculo, A Salto Alto, dirigido por Roberto Magro, por Europa, pasando por España, Italia, Galicia, Portugal, Cataluña y Bélgica.  Durante este pasaje, deciden profundizar en su investigación escénica como dúo e iniciar una nueva formación profesional en la escuela de circo del Lido de Toulouse.

Una vez finalizada esta formación, se embarcan en un pequeño proyecto de 15 minutos, Despir, y se suman a la nueva creación de Smart Cie de Bordeaux, UBA, que se inaugura el 9 de julio de 2022. A finales de 2021 empiezan a imaginar la primera creación de un espectáculo largo: Rupestre.

‘Rupestre’

‘Rupestre’ son cruces poéticos y corpóreos entre pasado, presente y futuro creados como un escape surrealista al origen prehistórico de la humanidad.  La intención es reconstruir, ampliar y sintetizar símbolos, imágenes, herramientas y movimientos capaces de provocar una reflexión contenida en la igualdad de género y la preservación de la naturaleza.

  La música juega un papel principal en este espectáculo.  Los instrumentos se tocarán en el escenario con la ayuda de un pedal de bucle.  La trama se desarrolla a partir de la percusión, el primer impulso sonoro del hombre primitivo: a través del choque entre objetos, los ruidos se transforman en sonido, luego en ritmo, melodía, danza y espectáculo circense.

‘Rupestre’ se sumerge en trance como lenguaje de la memoria, con el cuerpo concebido como guardián de la ancestralidad y nuestra mayor herramienta para acceder al pasado y co-crear un futuro más igualitario y diverso.

Firma foto: Benoit Martrenchar

Soa Payet, autor en escena, trabaja con la memoria, la que fue y la que hay que inventar con nuestras acciones presentes.
Se trata de redescubrir las historias que surgen del imaginario del circo en su sentido más amplio, donde danza, texto y objeto circense se mezclan. Creció entre la región parisiense, la isla de la Reunión y, últimamente, en Colombia y Ecuador. Se formó como artista de circo en la escuela de circo de Amiens, Montpellier, Bruselas y Toulouse.
Ha pasado por el aprendizaje de la danza, del payaso, del Butoh y del teatro. Todos estos territorios lo han llevado a concentrar su trabajo en sus raíces para comprender el que travesía a las generaciones y aquello que exige ser escuchado.

Zoé Debary, en la dramaturgia, llevar a cabo una investigación académica sobre los gestos y las palabras circenses. Desde su trapecio-danza bajó al suelo del escenario para pisar la coreografía de los cuerpos a través de la danza GAGA (GAGA MOUVEMENT) y la apertura del actor gracias a la formación Chéjov de Bruselas. Desde su experiencia acompaña a los artistas de circo en la creación, «Circus remix» del Tercer Circo (2017-2018), «No puedo morir» de la Cie La Geste (2019-2020), «PAPY» de Lucha Emilia (2020-2022).

Su investigación resuena en sus trabajos, sus trabajos resuenan en su investigación. ¿Cómo encarnaremos los (drama)circos?

La memoria de la Pepa

Nuestro proyecto nace entre las montanas de Medellín y las alturas de la isla de la Reunión. Buscamos a formular nuestros gritos interiores. Gritos de desarraigados, gritos escondidos en las gargantas apretadas, gritos silenciosos que se escuchan en el fundo de la tierra, gritos de nuestros ancestros y descendientes.

“La memoria de la pepa” es un cuento de circo, la historia de Pipo, un vagabundo. Recordar, recordar, hacer aparecer, sacar a la luz, el espíritu aterrador del saqueador colonial y la profundidad de la selva. Haciendo malabarismos con sus sombreros de paja toquilla, sus velas, sus telas colgantes, estructura el espacio y su tiempo. Pipo se transforma y crea sus propios rituales, baila la pérdida con amor.

No elegimos representar una cultura en particular. Elegimos inventar una historia inspirada en la memoria de los ancianos y a su vez en las preguntas de hoy que exigen nuevas formulaciones. Recabamos en la historia de nuestras memorias para encontrar fragmentos de lo que se ha perdido y de lo que se debe reinventar.

Firma foto: Simon Nguyen

Nace el 2 de mayo de 1998 en Badajoz, Extremadura, donde hay muchas encinas. No tenía ni 2 años cuando bailaba Sonia y Selena en el salón de su casa, imitando cada una de las coreografías de la cinta VHS del fin de curso de su hermana, a los 8 años escribió un poema a la virgen y el resto es historia, hizo la formación profesional en Carampa de 2016 a 2018 y durante el curso siguiente formó parte de distintos Freestanding Courses en DOCH, School of Dance and Circus (Estocolmo), varios específicos de su disciplina, el equilibrio sobre manos y uno sobre el desarrollo artístico dentro de la disciplina circense. En junio de 2019 audiciona para l’École Superieure des arts du cirque en Bruselas y es aceptado, tres años más tarde acaba de graduarse y tiene el pelo más largo y le gusta menos la lluvia y le gusta más el café y más escribir y más el circo, supongo. También es egresado de la II Promoción del Máster de Poesía de la Escuela de Escritores de Madrid y parte del Colectivo Simul Solus. «El patio» es su primer proyecto como artista/creador en solitario.

El patio

«el patio» es un proyecto de investigación interdisciplinar que pretende experimentar con la intimidad, el deseo y el poder del lenguaje mediante la fusión escénica de la poesía y el circo, utilizando la acro-danza, el equilibrio sobre manos, la escritura en directo, el trabajo sonoro y la la voz como medios y canales de expresión.

Existe un punto de encuentro concreto entre ambas disciplinas del que nace el esqueleto del proyecto: la manera en la que utilizan la técnica pura como canal de creación y la forma como objeto final.

Construyendo un espacio dentro de un espacio, el patio juega con los límites entre lo verdaderamente íntimo y lo completamente público, ya que cuando intentas relatar o compartir algo íntimo su cualidad de íntimo desaparece y adquiere por unos segundos una dimensión nueva.

«La intimidad es un pez saltando entre manos manchadas de aceite y yo pierdo aceite muchísimo aceite»

Nacido en Reus, formado en la escuela de circo Rogelio Rivel de Barcelona (2010-2012), a la International Art School de Pekín y al Ésacto’Lido de Toulouse (2014-2016).

Especializado en equilibrio sobre las manos, torsión, danza y teatro. Co-creador de la compañía Random. Laureado por Circusnext 2019.

Ha actuado en varios lugares de Europa, al Circ d’Hivern del Ateneu Popular 9Barris y al Mercat de les Flors (Barcelona), Theatre de la Cité International (París), CircoBalkana (Croacia), La Grainerie (Toulouse), Halles de Scharbeck (Bruselas), Mesopotamia Circus (un festival de Turquía). Bailado con artistas de Krump, de Butoh, danza africana, raves y bachatas de nivel de élite.

‘Candy’

«Tuve ciertas dificultades para volver a tomar posesión de mí mismo. Es una experiencia extraña. Verse las piernas como objetos separados, alejados de la mente, a la que están vinculadas casi por casualidad. Imaginarse con incredulidad, como un montón de miembros que se agitan y uno necesita esos miembros, los necesita desesperadamente, pero aun así a veces parecen muy raros, muy extraños. Sobretodo las piernas.»

Felipe Nardiello

Su trayectoria artística inicia con la ruptura con el mundo de la psicología (profesión a la cual se dedicó) y la apertura al circo. Estudió en la escuela de circo «FLIC» en Italia, donde se especializó  en su disciplina principal la rueda cyr.

Gines Belchí Gabarrón

Inicia sus estudios profesionales en la escuela de circo “Rogelio Rivel” (Barcelona) para luego realizar la escuela superior de circo “Lido” (Toulouse) donde se especializa principalmente en la acrodanza.

Al finalizar sus estudios crea y actúa el espectáculo El lado oscuro de las flores, participa en el Circ d’Hivern SOPA del Ateneu Popular de Nou Barris y forma parte de la última creación del colectivo Primavez (Francia) en el espectáculo Intudewail.

Que me tiren al mar

“Que me tiren al mar” transcurre en una dimensión íntima, relacional, en un espacio emocional. Es un viaje que busca relacionar desde una emocionalidad física la temática de los problemas.

¿Cuál es tu problema?

Es un relato físico que nos habla del humano desde un potencial problemático, un potencial de fragilidad, un potencial de cuestionamiento acerca de cómo el sujeto moderno se relaciona en su vida.

¿Cuál es tu solución?

En un universo filosófico abstracto, los cuerpos y una rueda cyr articulan el discurso. Sus palabras están construidas del movimiento acrobático de dos cuerpos, la relación emocional de estos dos y una rueda cyr, que propone situaciones cíclicas y circulares, que se pueden convertir en problemas o soluciones.

Artista circense (2016 – Escuela de Circo Rogelio Rivel) y educadora social (2013 – Universitat de Barcelona) de formación y de deformación todo el resto: investigadora del movimiento y de la acción performativa, impulsora de proyectos pedagógicos con el arte como eje transversal, formadora, creadora y con un gran interés en la interdisciplinariedad. Estudia con profesores/se como: Mal Pelo, Hamza Benlabied, Andrés Corchero, Alexander Gavrilov y Semolina Tomic, entre otros. El año 2016 cofunda la compañía: Cía Capas (CAT), un dúo de portés acrobáticos. El 2018 es cofundadora y artista del colectivo: Ino Kollektiv (FR) de portés acrobáticos en femenino con el que sigue trabajando actualmente. Con el colectivo forma parte de un nuevo proyecto de circo, canto y psicología: Ekco (MX-*IT-FR-SE) y otro proyecto de circo espontáneo y de improvisación con la disciplina de los portés acrobáticos: Improportes (FR-SE) conjuntamente con otra compañía: kolektivo Konika. El 2022 inicia la investigación personal por el proyecto: Cavidad f.

Cavidad f.

Cada cuerpo es una síntesis de su historia. La memoria puede ser explícita cuando podemos explicar o describir razonadamente una experiencia concreta o implícita cuando el cuerpo reacciona a experiencias que no puede procesar por la mente. ‘Cavidad f.’ es un proyecto artístico que investiga la materialización de la memoria en el cuerpo o de lo contrario dicho: las memorias corporales o encarnadas: todo aquello que queda grabado en el cuerpo en forma de movimiento, de gesto, de sonido o de postura en recuerdo (mayoritariamente inconsciente) de una vivencia concreta. La idea es propiciar un trabajo que ponga en relación el propio cuerpo con la codificación de estas memorias, entender las formas y sus procesos de aprendizaje, ver qué y porque han sido olvidadas y si es necesario o no visibilizarlas y resignificarlas. Observar como afecto en todo esto el contexto y también la relación entre dos o más cuerpos y pensar cómo generar así, memorias corporales colectivas.

Abby Neuberger y Luca Bernini se conocieron en la escuela de circo FLIC en Turín el 2012, donde la gimnasta americana y el jonglor italiano empezaron a trabajar juntos el mano a mano y el teatro físico, para crear un vocabulario corporal propio de su dúo. Juntos ingresaron a la Academia Fratellini el 2014 donde continuaron perfeccionando su técnica acrobática y desarrollaron sus investigaciones alrededor de un imaginario lúdico y absurdo (Willy Axton 2016; Morning 2017). Desde su estreno en 2017, crean su primer espectáculo, Compuesto.

Abby y Luca creen que la actuación es un acto de vivir en el presente, en el espacio donde se encuentran, así como un descubrimiento de cosas sorprendentes, del inesperado, con el público. Con la Keep Company, que crean en 2019, quieren interrogar nuestra relación colectiva en la tierra y defender las artes del espectáculo como medios legítimos de abrir las discusiones sobre el medio ambiente. Y a través del espectáculo, continúan buscando el que puede significar el ser humano, a través del humor y la risa.

‘Underfoot’

Con ‘Underfoot’ trataremos el tema de la natura a través el ángulo de la descomposición, de aquello que pasa después de la muerte, de la transformación de la materia en otra forma de vida, o en otro ser vivo. El equipo se interesará por los actores descomponedores (o transformadores): gusanos, protozoos, bacterias, por las reacciones químicas que son la base de las transformaciones de materias; por las reacciones entre átomos que crean nuevas sustancias sin pérdida ni adición de componentes. Y a través de su lengua, mezclando teatro físico y técnicas de mano a mano, intentarán representar estas reacciones y relaciones.

En una gama más larga, en eco a su primera creación ‘Compuesto’, Abby Neuberger y Luca Bernini intentan seguir la historia de los ciclos de la vida: evoluciones y cambios de las épocas geológicas, y las trazas dejadas por los cambios de las especies en el jefe de miles de años de vida en la Tierra.

Elles

Un espectáculo multidisciplinario; que combina circo, movimiento y música en directo buscando un lenguaje propio que  las defina como artistas.

Principalmente investigan diferentes reflexiones de identidad y género, tratándolas desde un punto de vista fresco y moderno. Un concierto escénico de música electrónica donde dos personas transitan la escena en un continuo éxtasis y desconcierto, cuestionando sus identidades y su forma de relacionarse entre sí. Interrogando su identidad como mujeres y los clichés a los que va asociada. ¿Qué es una mujer? ¿Qué es un hombre? ¿Qué somos si no somos nada?

Incontrolables, pisan vidrios, mezclan música en directo, tocan instrumentos boca abajo a varios metros de altura, se suspenden una a la otra por los cabellos, tiran dardos, explotan manzanas, se las comen y forman estructuras corporales imposibles de descifrar.

Firma foto: Mar Bautista

Provinents de diferents punts cardinals, aquestxs artistxs es mouen entre experiències de cinema, trapezi i acro-dansa. Algunxs de ellxs ja han passat pel programa de Trànsits de la Creació i ara reviuen com clubkids, que saben de tarot i de dansa butoh, practicants de la fotografia i devotes de l’activisme. Es defineixen com a circ impràctic i dragtivisme, com a força de xoc i espai de cura. Com un aquelarre que es dirigeix voluntàriament a la foguera en l’acte performatiu, per a demostrar que “per a donar llum cal calar-se foc”, en la seva cita de Susy Shock.

Niebieski

Cuatro individuos entran en una sala azul, como si estuviesen en un avión que esta por despegar: -se preparan. Un espacio de gestión emocional que esta por revelarles su sistema. Se adapta y ofrece lo necesario para que cada unx pueda modicarse y transitar libremente lo que la sociedad tilda de indigno, gestionable solo a escondidas. A través del juego, con los objetos cotidianos que la sala brinda, se reapropiaran de símbolos de la cultura popular. Es así como una pelota de futbol será resignificada: la invitada de una cena o un par de tetas diminutas. Seguido a la catarsis como introducción, comienza un circuito donde lo doloroso y sucio muta en un ritual de iniciación, del que fueron privadxs. Desarrollar una forma de relacionarse con los emblemas del binarismo patriarcal, desembocará en una narrativa colectiva. Pondrá en práctica la empatía, para navegar todxs el proceso de convertir lo inadecuado en empoderante.

Pròxima Centauri

La escena está llena de hojas de otoño. Un péndulo oscila a ras del suelo y remueve las hojas con el aire que genera. A partir de aquí la puesta en escena juega entre aquello natural o simple y aquello artificial o complejo a través de elementos como el agua, hojas, péndulos y una rueda cyr.

Con la ayuda de estos elementos explora los lenguajes que utilizamos a través de la ciencia y el arte buscando en la creatividad el punto común entre cualquier disciplina científica y artística. Toma como referencia la evolución de una estrella similar al sol y se refleja en sus fases vitales desde que nace hasta que muere. ¿Es la ciencia simplemente una manera de entender el arte presente en la naturaleza?

La pieza lleva el nombre de Proxima Centauri: la estrella más próxima al sistema solar situada a unos 4,2 años luz y forma parte de un sistema estelar de 3 estrellas, una de ellas muy parecida a nuestro sol.

troposfera.xyz és un projecte artístic de Dídac Gilabert que analitza el món des de la mirada d’un malabarista, apreciant els petits detalls i el perquè dels fenòmens que ens envolten. Passen el temps movent partícules que estan disperses en l’espai, i això els fa feliços, contemplant tant a escala macroscòpics com microscòpica que no som res més que una acumulació de matèria i idees, i que la cobdícia de ser ha anat erosionant el planeta. Aquesta creació obre una nova línia de treball per a troposfera.xyz. Al programa de Trànsits de la Creació vam poder seguir de prop el procés de creació de l’anterior treball d’aquesta companyia, sota el nom de Dame du Cirque, i també han estat implicades en el projecte d’educació i cultura EN RESiDÈNCiA aquest curs 2020-2021.

Polychromatic Void

Ja fa un temps que estic bastant obsessionat amb la música ambient i els sistemes generatius que molts paisatgistes sonors fan servir per arribar a nous horitzons i textures. Després d’investigar molt sobre música generativa, he decidit fer el mateix amb els malabars, i buscar en direcció cap a un parell de subgèneres que de moment anomeno “Ambient Juggling” i “Generative Juggling”.

“L’ambient juggling” és un malabarisme sense pretensions, és un acte que té com a motor la dissolució constant, existeix sense necessitat de destacar respecte a l’entorn. El “generative juggling” va un pas més endavant, i intenta entendre tot l’entorn com un sistema que dóna inputs i rep estímuls, i en funció de tots aquests paràmetres evoluciona cap a indrets no plani cats, però si que poden estar acotats. Polychromatic Void va més encaminat al “generative juggling”. Crear un sistema híbrid entre malabarista, malabars, vídeo, música, il·luminació, codi i altres elements, on tot estigui connectat i en un constant diàleg.

El origen de la compañía data del octubre del 2018 a partir del encuentro entre Jordi Solanell y Alex Cabrer. Hasta el momento Jordi había trabajado en un número de circo de corto formato (aprox 10 min) con el mismo nombre, a partir de este encuentro se decide apostar por un trabajo a dúo para desarrollar esa idea inicial, mezclando así distintas tecnologías audiovisuales con técnica de mástil chino y teatro físico y audiovisual. En enero de 2020 se integra Víctor Bobadilla, doctorando en Estudios Teatrales, para desarrollar un trabajo desde la dramaturgia y dirección artística. La última incorporación de la compañía es Veronica Cappozoli, directora de teatro y artista circense, para el acompañamiento artístico dando apoyo al trabajo realizado por Victor Bobadilla.

‘A hang up’

Entre papeles de periódico, locura y ansiedad, vemos la agonía de un artista de circo, atrapado entre su técnica y la manipulación de su alter ego. El artista como sujeto de rendimiento, que se “cree” en libertad, se ha encadenado en su autoexplotación con el cual está en guerra. El sujeto de nuestra historia transita en este viaje, donde se mezclan la pasión y la obsesión, el consciente y el inconsciente, incapaz de reconocer y comprender su realidad.

Una mirada hacia la sociedad desde el agotamiento, la fatiga y la asfixia derivados por la hiperproducción, el hiperendimiento y la hipercomunicación, nublando la concepción de lo auténtico. ¿En qué consiste ese cansancio? ¿Es realmente posible aceptar que la libertad actual pueda ser paradójicamente una nueva forma de encadenamiento? Con estas preguntas proponemos el proyecto A Hang Up, una pieza de carácter crítico y actual.

Imagen: Clara Pedrol 

Leah Brooke es artista de circo de género no binario. Crece al norte de los Estados Unidos donde estudia musica, artes marciales, patinaje y danza. Más adelante se forma en la School of Acrobatics and New Circus Arts (Seattle) i en varias escuelas de circo y danza en Nueva York. Trabaja en diferentes compañías y productoras como: TinyDangerousFUN!; Triskelion Arts; Big Sky Works; House of Yes (2012-2016); y Constellation Moving Company (2015-2019). Des del año 2021 vive en Barcelona, donde estudia el Máster en Gestión de Empresas Culturales en la UB y trabaja en su proyecto artístico, ‘liturgia atómica’

Crèdit: Katarina Rothfjell

Collettivo Collettivom son Aurora, Francisca, Gaia, Ivan, Michele y Riccardo, que se conocen el 2015 en la escuela de circo FLIC, de Torino.  Las ganas de compartir un camino artístico común se revela desde el principio, como el pilar de sus dos
años de formación, durante los cuales crean sintonías sorprendentes. El 2020 el colectivo se consolida como compañía.

‘Mariage’

Nos hemos preguntado cómo podemos abordar la multidisciplinariedad en la dramaturgia.
Hemos empezado desde las bases: en cada escritura escénica hay Personas, Objetos y Acciones.
De este análisis nace un código al cual hemos llamado “POA Sistema”.
Este camino de exploración conceptual y escénica conlleva en sí mismo una serie de significados que
nos interesan:
-El comportamiento de un colectivo con respecto a las reglas elegidas en común.
-El proceso de apropiación de una norma.
-Las interacciones entre diferentes comunidades que no tienen las mismas reglas.
-La búsqueda del momento que nos lleva a tener la necesidad de salir de los acuerdos
preestablecidos.
Lo que nos gustaría poder observar a través de nuestra exploración son todas esas reacciones de
adaptación, resistencia e interpretación personal que produce este proceso de traslación de la teoría a
la realidad.
Hablaremos de códigos como una herramienta que por contrapartida nos muestre lo que una fórmula
no puede decir, controlar o predecir. Es decir, nuestra VARIABLE HUMANA.

Guillermo Tricas Cameo, procedente de Zaragoza (España), fue con 21 años cuando descubrió el circo
y fue aceptado en la escuela de circo Carampa, Madrid, en el 2015/2016 Especializándose en báscula.
Fue al años siguiente de terminar la formación, donde con un trio de bascula, entro al año preparatorio
de ENACR en el 2017/2018. Más adelante, de manera mas autodidacta, se formó como ágil de mano a
mano y verticalista.

Enrico Ferluga, procedente de Trieste (Italia) se formo en la escuela de circo Flic, Torino, en 2011/2013.
Se especializó como portor de mano a mano y escalera de equilibrio. Después de terminar la escuela,
dejo el circo para dedicarse a viajar, escalar y trabajar de diversos oficios que nada tenían que ver con
el circo. No fue hasta enero de 2021 que decidió retomar el circo y se mudo a Barcelona.
Fue en Febrero de 2021, en la Central del Circ, donde empezamos a entrenar juntos y meses después a
pensar en la idea de formar un duo de mano a mano.

‘Apus’

El Apus apus o Vencejo Común, es un ave especialmente adaptada para el vuelo. Estas aves cuentan
con una extrema capacidad de adaptación a la vida aérea y pueden llegar a pasar casi un año (en torno
a 9 o 10 meses) volando de forma ininterrumpida.
Por esto, estas aves comen, copulan e incluso duermen durante el vuelo, y solo se posan cuando
entran o salen del nido. Al igual que el Vencejo, el cual se pasa volando la mayor parte del año,
queremos a través del mano a mano, las verticales y lo físico, hacer una búsqueda donde el ágil o el
portor no pueden tocar nunca el suelo.
Que relación tiene el ágil con el aire ?
y el portor con el aire? cuanto tiempo puede el portor cargar al ágil sin que toque el suelo ? y el ágil al
portor?

Con estas premisas, queremos general un lenguaje corporal entre nosotros, que no sea solo técnico,
donde la resistencia de los cuerpos es llevada al extremo.

Vivian Friedrich es creadora, investigadora y autora de un circo performativo con enfoque hacia la música en vivo. Se forma en artes circenses y lenguajes de movimiento entre Tilburg (ACaPA, NL), Hamburgo y Barcelona. Paralelamente, se gradúa en psicología mediante estudios a distancia y en 2018 complementa su formación con el Certificat de Dramaturgie Circassienne de CNAC (FR) y ESAC (BE). Co-creadora de «La Red» del colectivo Fam. Lizajous, autora del proyecto «I Love My Car» y
dramaturga y directora de la creación «Breach» de la Cía. SOM NOISE.

Las Schubert Sisters son un grupo de artistas re-descubriendo y visibilizando compositoras y autoras mujeres del pasado. En Kristall Bohème [excavación de una memoria] vuelven al final de la época del Romanticismo, interpretando piezas de Vítězslava Kaprálová, Luise Adolpha Le Beau y creando composiciones propias con las poemas de Liliana Zilinow. El grupo se fundó por Sasha Agranov, Nihan Devecioglu, Vivian Friedrich y Maider Lasa Santamaría.

‘Kristall Bohème’

‘Kristall Bohème es un proyecto de investigación y creación, una plataforma de visibilidad y
experimentación para el lenguaje de circo y la artesanía de vidrio soplado con distintas derivas de
exhibición.

Kristall Bohème [excavación de una memoria] es una performance entre una artista de circo, un músico
y una cantante lírica que indaga en la transmisión transgeneracional del trauma y de
bloqueosemocionales como el miedo irracional a la existencia.

Una composición basada en movimiento y acrobacias en la cuerda-U, el faquirismo y la manipulación
de objetos.

Crédito foto: Clara Pedrol

Mattia Mele.

1981. intérprete. autor.

Empieza de pequeño estudiando danza clasica, tuvo la oportunidad de estudiar y experimentar diferentes «estilos», entrando en contacto en 2002 con con la danza contemporánea en Bélgica.

De vuelta a Italia, sigue en este camino que le llevará al teatro físico (ricci/forte performing ensemble) y a la formación profesional en las artes circenses en la Flic – scuola di circo (Turín).

Trabaja con cia Fabbrica C y la asociación cultural Cordata F.O.R (Italia).

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Una historia oscura e inquietante sobre el fin de una relación. Un duelo repentino. Algo que estaba ahí y ahora no está. Un fracaso. Un desajuste. Un final feliz fallido.

¿Qué ocurre si la princesa se encuentra ineludiblemente sin (ningún) príncipe?

Una princesa como ejemplo, objeto de una investigación visual sobre este arquetipo y su entorno de cuento de hadas, onírico e irreal releído a través del velo negro del luto, la obsesión y el deseo, un personaje genérico protagonista de una historia que quiere contar el intento de no evitar lo que social y emocionalmente se considera «sufrimiento» que se presenta como un camino único y obligatorio para alcanzar un estado de bienestar duradero.

Descubrir que el príncipe azul, la ansiada salvación, no se encuentra en otra persona, en algo externo, sino sólo en la aceptación de la pérdida, en dejar ir lo que estábamos convencidos de que era necesario para nuestra existencia, en abandonarlo todo para redescubrirnos desnudos y con fuerzas para vivir, solos, nuestro propio final feliz.

Crédito foto: Li Mi

CAí es el nombre de la compañía de circo contemporáneo creada por Sabrina Catalán y Elia Pérez,
artistas de circo y autoras creativas. La línea de trabajo que utiliza la compañía consiste en utilizar el
circo, y más concretamente los aéreos, como un lenguaje de comunicación y de expresión con el cual
llevar a escena materiales personales, reales, vivos y espontáneos.
La compañía crea en 2014 su primer espectáculo “No es la boca la que va a la cuchara sino la cuchara
la que va a la boca” pieza de 60 minutos que se construye a través de la recopilación de historias
reales. Una experiencia de lo personal a lo ajeno y con la intención de buscar y acercarse a las
diferentes realidades comunes del público. Fue dirigida y puesta en escena por la propia CIA CAí con la
mirada cómplice de Jorge Albuerne. Se estrenó en Octubre 2015 en el Teatro Circo Price de Madrid y
ha sido programada en numerosos festivales y/o eventos a nivel nacional e internacional. En este, su
segundo proyecto, la compañía se adentra en un nuevo reto en el cual la mirada está focalizada en el
propio proceso creativo.

‘Masa madre’

“Masa Madre” es un proceso de investigación que lleva implícita la creación de un espectáculo de sala
en el que se combinan técnicas aéreas, texto y movimiento de una forma expresiva, directa y real. Este
proceso consiste en la creación de dos piezas in(ter)dependientes que en una segunda fase
(co)habitarán en escena y conformarán el espectáculo «Masa Madre».
“Masa” hace referencia a la existencia misma, a como esta se organiza y en que se convierte.
Masa habla de la caducidad de las cosas, sobre cuando empiezan y cuando terminan. .
Masa dura una cocción.
Nos hace cuestionarnos el paso del tiempo.
Sobre cómo nos afecta la mirada de los otros en cuanto a la forma que tomamos.
Sobre cómo nos agrupamos o no.
“Madre” hace referencia a la maternidad, a cómo ésta es vivida desde dentro y
observada desde fuera.
Madre habla de estados cambiantes.
Madre dura una expulsión.
Nos hace cuestionarnos una confrontación hacia la persona y/o artista, un regulador de ego.
Sobre cómo nos afecta la vivencia.
Sobre una maternidad amarga, dulce, ácida,
salada, agria…sabrosa…

Firma foto: CdAT

Cirque Désolé es una compañía emergente que nace de una necesidad gutural de dos hermanas. En sus vidas anteriores Julieta y Mauricio se graduaron o abandonaron diferentes formaciones: UNTREF, UNSAM, CODARTS, ESAC, Laboratorio Escuela, Esacto’Lido, trabajaron internacionalmente con compañías de renombre y con sus solos: Je te laisse partir, Pretty for Nobody, Judas, La dernière fois que je me suis suicidée. Somos felizmente olvidadizxs de todo, festejando el estado donde unx no sabe nada en absoluto.

‘Happy’

Happy es un manifiesto. Una ruptura en la concepción de la vida, la posibilidad de cada unx de de-construir su propia forma de existencia. Una estética de contrarios que se encuentran y conversan. Es nuestro ser desnudx, rebelde, inocente, espiritual, lúdicx y sobre todo humanx. Un himno a la libertad reconectando con lo crudo. Ponemos en juego nuestros límites, los accidentes y la desesperanza. Reivindicamos nuestra existencia disidente, mortal y vulnerable como una forma de circo.

Aceptando quienes somos en el momento presente, el miedo a la muerte se escapa. En cada situación nuevas posibilidades de cambios, reconfiguración y metamorfosis. Cuando todas las entradas estén abiertas, cuando todas las anclas se ahoguen y nada nos aferre a tierra, podremos finalmente bailar sin caernos.

Firma Foto: Carolina Castro

Delrevés es una compañía de danza vertical fundada en Barcelona el 2007 por Saoia Fernández y Eduardo Torres. Su objetivo es la fusión de diferentes lenguajes artísticos, como la danza contemporánea, las artes digitales, el teatro y la danza vertical, utilizando la arquitectura como soporte del movimiento. A lo largo de estos años, Delrevés ha forjado una solida carrera internacional, aportando una nueva visión a la danza vertical. Su última producción, ‘Finale’, recibe el premio a mejor pieza de calle Umore Azoka, el 2019, y es seleccionada para la apertura del festival Fira Tàrrega. ‘Proyecto SENA’ es su sexta producción.

Firma foto: Frank Díaz

Stina i Lotta comencen a treballar juntes amb la rola-bola en un circ juvenil de Finlàndia l’any 2001. Passen tres anys perfeccionant la seva tècnica a la prestigiosa i exigent Ecole Supérieure des Arts du Cirque de Brussel·les, on es graduen amb honors l’any 2008. El 2011, juntament amb Kimmo Hietanen, creen l’espectacle de carrer ‘Play:Time’. L’any 2012 formen part de la creació de l’espectacle ‘Mad in Finland’, un col·lectiu de set dones artistes de circ finlandeses. Un any més tard, el mateix grup produeix ‘Ladies Room’, un espectacle de cabaret. L’any 2015 són guardonades amb el prestigiós premi nacional d’arts circenses de Finlàndia pels mèrits assolits durant la seva carrera.

Júlia Campistany, nascuda a Catalunya, es gradua a l’escola Codarts Circus Arts (Rotterdam), on s’especialitza en trapezi fix. Com a projecte final de grau crea ‘It Happens’, una peça de curta durada que estrena a Oude Luxor l’any 2018. Més endavant, crea una versió més llarga de la mateixa peça on explora la tècnica del trapezi fix i el clown i on col·labora amb Zè Malandro, que compon parcialment la música. ‘It Happens’ gira des d’aleshores per Europa. Durant els últims anys, l’artista també col·labora com a solista en diferents companyies, com ara Circus Ronaldo i Meyer-Chaffaud, i treballa com a professora convidada a Codarts.

‘Peluda’

En escena, una dona amb una cabellera llarga intenta recuperar tots els pèls i cabells que ha rebutjat al llarg de la seva vida. ‘Peluda’ qüestiona la realitat d’allò que veiem. Una història que viatja del glamour a la decadència a través dels cabells, mitjançant el llenguatge de la poesia i l’absurd.

Ens trobem en un moment en què vivim les nostres vides a través d’una pantalla. Mostrem només una cara de la nostra realitat, intentem encaixar en els patrons de bellesa, sempre contentes i brillants, pretenem no tenir pèls, ni canes, ni arrugues, ens amaguem darrere els nostres telèfons, darrere el nostre maquillatge, darrere les nostres cirurgies i filtres. Vivim en un moment en què la realitat es veu compromesa i sovint estem desconnectades de nosaltres mateixes i de les nostres veritats.

Firma foto: Nora Baylach